La campesina de Alberto Moravia: cómo la guerra desata nuestros peores demonios

Reconozco que es el primer libro que leo de Alberto Moravia y que llegué a él a través de su adaptación al cine por parte del grandísimo Vittorio de Sica en Dos mujeres, una película que me impactó y que recomiendo fervientemente a quien aún no la haya visto. Tanto la novela La campesina como su adaptación cinematográfica cuentan la historia de una mujer (Sofía Loren galardonada con un Oscar por su espléndido papel) que huye de los bombardeos de Roma durante la II Guerra Mundial con su hija Rosetta. Ambas se van al campo, donde creció la protagonista, pensando que allí estarán a salvo, sin saber que la guerra ha llegado ya a todos los rincones de Italia, y que cuando el ser humano se ve inmerso en un conflicto, es el peor de los depredadores. Además del valor propio de una novela que nos relata cómo se vivió en Italia la contienda -relatado de forma magistral y verídica por Moravia que sufrió en la vida real algunas de las peripecias que cuenta en su novela-, La campesina es una reflexión sobre lo que la guerra puede hacerle a un individuo. Moravia se centra en cómo un ser humano normal y corriente, puede convertirse por culpa del conflicto en el que se ve inmerso en ladrón, mentiroso, violador o asesino, casi sin darse cuenta. Por desgracia este enfoque tan pesimista del ser humano se ha visto refrendado una y otra vez por la realidad. Moravia escoge además a Cesira, la protagonista, para contarnos en primera persona lo que sucede a su alrededor. Es una persona sin estudios y un poco simple, a la que lo único que le mueve es el dinero, sin embargo, a través de su mirada, unas veces inocente, otras interesada, asistimos a la transformación del ser humano cuando la guerra es su realidad cotidiana. Si antes recomendaba la película, es obvio decir, que la novela es una de esas pequeñas obras maestras que a veces nos encontramos entre las manos y cuya lectura es obligada.

Arctic Monkeys presentan su nuevo disco Humbug en Madrid

Fui con reticencias al concierto que Arctic Monkeys daba ayer en el Palacio de Vistalegre acompañando a un grupo de fanáticos de la banda. Pues bien, yo salí encantada, ellos un poco menos. Arctic son realmente un fenómeno musical, desde su exitazo conseguido desde Myspace, hasta su constante evolución que tanto ha cabreado a muchos seguidores. El propio Alex Turner, líder de la banda, lo confesaba en una entrevista en El Mundo: "Hemos perdido muchos seguidores, porque no les gusta el estilo del último álbum. Pero supongo que hemos ganado nuevos adictos". Pues sí, quizá hayan perdido seguidores, algo que no se notó en un abarrotadísimo Palacio de Vistalegre, pero es cierto que muchos como yo, a quien sus dos anteriores discos me habían parecido ruidosos y un poco insustanciales, nos hemos vuelto totalmente incondicionales de su último álbum Humbug, y de ese maravilloso experimento paralelo llamado Last shadow puppets. Volviendo al concierto, la banda se entregó al máximo pese a que la actuación fuera un tanto breve, apenas poco más de una hora. Alex Turner mantiene sin dificultad esa voz tan increíble marca distintiva de la casa, también merece mención especial el fantástico trabajo a la batería de Matt Helders, contundente a más no poder. Tocaron muchas del último disco, bastantes del segundo y sólo algunas del primero. La sorpresa llegó a la segunda o tercera canción cuando se atrevieron con una magnífica versión de Red right hand del incomparable Nick Cave. Un homenaje en toda regla a un maestro. La única pega, como suele suceder con los grupos que se atreven a evolucionar, es que el público vibraba a más no poder con los viejos temas y apenas se movía con los nuevos. Sólo espero que Arctic no se dejen llevar por las presiones del público, lo están haciendo bien, muy bien, si un grupo quiere crecer debe evolucionar. El grupo está viviendo algo parecido a lo que experimenta Muse, cuyos seguidores no aceptan que hayan pasado de unas canciones cañeras sin más, a una música más elaborada.

Sale a la luz una nueva colección de fotos inéditas de Marilyn Monroe

No puedo dejar pasar la oportunidad de recomendar que echéis un vistazo a la web http://www.thevisitseries.com/, donde pueden verse una serie de fotografías inéditas de la maravillosa Marilyn Monroe junto al poeta Carl Sandburg. Estas fotos, tras haber pasado 45 años en un archivo privado, han salido por fin a la luz para ponerse a la venta. No podemos hacernos con una de esas imágenes, que se venden por precios que oscilan entre los 1.999 y 3.999 dólares, pero por lo menos podemos verlas totalmente gratis en la página web que he señalado y seguir soñando con Marilyn, un icono y un ser humano excepcional que nunca morirá.

La carretera vuelve a sobresaltarnos desde las pantallas gracias a Viggo Mortensen

Ayer pude ir al estreno de La carretera, tenía ganas de ver cómo habían adaptado la genial novela de Cormac McCarthy que tanto me había sobrecogido con su mundo apocalíptico y desesperanzado. Y no me defraudó en absoluto. El director ha conseguido recrear el mundo reflejado por McCarthy en el papel con una gran precisión, la fotografía y la atmósfera de la película están muy conseguidas. Pero realmente, la mejor baza de esta película es la presencia del siempre insuperable Viggo Mortensen sucio y escuálido (ya pudimos ver sus uñas negras en El señor de los anillos y aquí vuelve a enseñárnoslas). Mortensen borda su papel junto a un increíble Kodi Smit-McPhee, que pese a ser un niño, lo hace realmente bien. Menos alabanzas se le pueden dar a Charlize Theron, con un papel simplemente correcto, quizá porque el personaje no da mucho más de sí, o simplemente porque la actriz no pone mucho de su parte. Realmente los momentos de flashback son de lo peor de la película, si se le puede poner un pero, resulta demasiado artificial y acaramelados los momentos en que la pareja vivía su vida feliz. La fuerza real de la historia, al igual que en la novela, están en la carretera, con las bandas de caníbales al acecho, la paranoia y la desconfianza de todos y la creciente deshumanización. Además, cabe destacar que la película pasa en un suspiro, consiguen mantener una tensión constante, y pese a haberme leído el libro y saber lo que iba a pasar en cada momento, el film logró mantenerme en vilo, sobresaltarme y angustiarme como si no hubiese sabido nada de la trama.

La web de Bunbury se renueva con motivo del lanzamiento de 'Las consecuencias'

Con motivo del lanzamiento del nuevo álbum de Bunbury, Las consecuencias, el próximo 16 de febrero, su página web ha sido renovada como suelen hacer cada vez que saca nuevo disco. Y para mi gusto, se ha hecho con gran acierto. El diseño es mucho más limpio que en anteriores ocasiones, los contenidos son más accesibles y se encuentran más ordenados. Además de las habituales noticias, fechas de gira o biografía, nos encontramos con numerosos enlaces a su página en youtube, así como la posibilidad de ver todos sus videoclips, y fotografías promocionales para su nuevo trabajo en las que Bunbury ha adoptado una nueva estética entre neohippy y árabe, con ciertos toques glam... bueno, es mejor que lo veáis vosotros mismos. También incluye cómo no el vídeo del primer single, Frente a frente, el vídeo, rodado por J.A. Bayona (director de la infumable El orfanato) está muy conseguido, de hecho, es lo mejor que tiene. Sé que a muchos seguidores de Bunbury les ha gustado esta adaptación de la canción de Jeanette, a mí personalmente, por un lado no me gusta nada ni Jeanette ni su canción, y por otro considero que no le pega nada a Bunbury ese estilo y versionar una canción de este tipo. Es cierto que Bunbury es valiente y arriesgado, que nunca se repite y que sorprende con cada nuevo trabajo. Helville De Luxe ya me costó digerirlo, apenas tres o cuatro canciones salvables, es cierto que las comparaciones son odiosas, y que no puedo dejar de pensar en sus dos magníficos trabajos Pequeño y Flamingos, dos álbumes excepcionales en los que demostró que tenía mucho que decir. De momento, y a la espera de que salga a la venta su nuevo disco, sólo nos queda esperar que la inspiración no le haya dado la espalda definitivamente a uno de los pocos músicos españoles de los que podemos sentirnos orgullosos.

Chérie de Stephen Frears: una trágica historia de amor en la Belle Époque

Stephen Frears es un director que consigue hacer de cada una de sus películas una pequeña y preciosa obra de arte, baste acordarse de Mi hermosa lavandería, Las amistades peligrosas, Café irlandés o The Queen. Con Chéri, el director nos demuestra que tiene mucho que decir aún sobre el amor, los sentimientos, la seducción y el dolor que todo ello conlleva. Frears ha hecho una preciosa y exacta adaptación de la hermosa novela de Colette, copiando incluso diálogos enteros de los personajes de papel. El trabajo de los actores es excepcional: una bellísima pero ya envejecida Michelle Pfeiffer, como exige su papel de cortesana dispuesta a retirarse; una espléndida como siempre y malévola Kathy Bates; y un seductor y guapísimo Rupert Friend. La puesta en escena y ambientación en el París de la Belle Epoque de principios de siglo es impecable, y la película nos conduce hasta el trágico final sin que casi nos percatemos de ello. El film relata cómo la cortesana Léa de Lonval (Pfeiffer) se hace cargo de un abúlico Chéri (Friend), hijo de una cortesana (Bates). Chéri ha vivido siempre en el lujo, sin obligaciones, apenas sin educación, abandonado al alcohol y las mujeres, cuando empieza a convivir con Léa. Él tiene 19 años y ella casi 50, pero eso no impide que lo que empezó casi como una distracción, se acabe convirtiendo en una convivencia de 6 años. Pasado ese tiempo, se concierta la boda de Chéri con una chica de su edad, Léa tendrá que aprender a vivir sin él, y aceptar que su edad es un condicionante para la sociedad. Lo más trágico de esta historia es que ninguno de sus protagonistas se da cuenta del amor que sienten el uno por el otro hasta que lo pierden, y entonces resulta demasiado tarde para los dos. Además, la profunda reflexión que se hace sobre el paso del tiempo, la vejez y cómo ésta nos condiciona, es sobrecogedora. Una obra maestra del que sólo le pondría unos pequeños peros: el abuso de la voz en off (odio ese recurso, no puedo evitarlo), un principio demasiado didáctico explicando quiénes eran las cortesanas y poniéndonos en situación en la época y llamar abiertamente 'putas' a las cortesanas, un término que Colette jamás utilizó en sus novelas, y que en la época tampoco se hubiese utilizado jamás. Por lo demás, una película más que recomendable, así como el libro que tras ver la película estoy devorando con auténtica pasión.

¡Ha muerto Salinger! ..y ahora que hacemos?

Ha muerto J.D. Salinger. Para algunos puede significar muy poco, para otros mucho. Para mí, cuyo libro de cabecera desde los 14 años es "El guardián entre el centeno", seguido de "Franny y Zooey", "Levantad, carpinteros la viga del tejado" y "Nueve cuentos", es una tragedia. Que haya muerto el creador del mundo en el que me refugio cada vez que necesito consuelo me deja un poco huérfana. Cierto es que el autor, muerto el pasado 27 de este mes a los 91 años, no había vuelto a escribir nada después de tan magníficas obras, pero nunca perdí la esperanza de que volviera a hacerlo. Para mí Salinger, además del autor de mi libro preferido muy por encima de cualquier otro -a pesar de que sé que no es ni mucho menos el mejor de la literatura universal-, es el autor del siglo XX que mejor ha sabido conectar con la gente joven de cualquier edad y de cualquier tiempo. Mucha gente me ha dicho que era una exagerada -he leído El guardián una media de tres o cuatro veces por año, además de tres veces en total en inglés-, que es un libro sobrevalorado, o que simplemente no les había llegado. Parte del éxito de este libro creo que procede de los sentimientos que crea, por eso considero que es fundamental leerlo de adolescente, cuando Holden -mi queridísimo Holden- nos es más cercano. Sólo espero que ahora que el maestro Salinger ha muerto, no empiecen a aparecer aprovechados -como aquel que quiso escribir una secuela del Guardián y el propio Salinger se lo impidió. No puedo ser objetiva con este tema, Salinger siempre será el padre de Holden, yo siempre me sentiré el alma gemela de Holden, pero al menos me quedan las páginas de El guardián entre el centeno para refugiarme en ellas cada vez que el mundo se vuelve contra mí y se convierte en un lugar hostil.

Up in the air reúne todas las virtudes que ha de tener una buena película

Si hay una película que debería dar que hablar este año, esa es Up in the air de Jason Reitman (Juno), protagonizada por un cada vez más curtido George Clooney, que se mete en la piel de un hombre encargado de despedir a los trabajadores en lugar de sus cobardes jefes. De este modo, Clooney viaja continuamente en avión por toda norteamérica, su filosofía de vida es que no hay que llevar nada en la mochila, las casas, coches y pertenencias son una carga innecesaria si se quiere triunfar profesionalmente, pero también lo son los amigos, la familia, la pareja o los hijos. Así, el personaje de Clooney pasa su vida en aeropuertos, aviones y hoteles, su casa es un apartamento frío que apenas pisa, ha roto totalmente la relación con su familia, y sus relaciones afectivas son siempre esporádicas. La película hace así un retrato de varias terribles realidades de nuestros días: la crisis y la alta tasa de paro, la inhumanidad de las empresas a la hora de deshacerse de personas que han dado su vida por su trabajo, el capitalismo más descarnado y la figura del hombre moderno, soltero y sin vínculos afectivos, cuyo único anclaje con la realidad es su trabajo. Hay que destacar también los trabajos de una guapísima Vera Farmiga (galardonada con el premio a mejor actriz secundaria en los BAFTA, los Globos de Oro y por la Asociación de Actores por esta película), otra mujer solitaria que viaja continuamente por trabajo y que inicia una relación atípica con el personaje de Clooney, y la revelación de Anna Kendrick (que en saga Crepúsculo se limita a poner caras raras), y que sorprende con el papel de discípula de Clooney. El film lo tiene todo: crítica a varias lacras de la sociedad actual, humor, romance... pero que nadie espere una comedia romántica al uso, lo mejor de esta película es su final nada convencional.

Cuando Sorolla y Velázquez conversaron: Diálogos en el Museo de Sorolla

El Museo de Sorolla en Madrid merece una visita por si mismo, sin embargo, estos días y hasta el 24 de enero tenemos una razón más: la exposición temporal "Diálogos: Sorolla y Velázquez". En ella podemos conocer una faceta no muy conocida del pintor, su gran admiración por Velázquez, a quien el valenciano copió con 19 años con gran maestría y mostrando atisbos de lo que sería luego su peculiar y muy personal forma de pintar: pinceladas rápidas y sueltas, pero a la vez armoniosas, y una gran comprensión de la luz y las sombras. Alrededor de la figura central de "Menipo" de Velázquez que Sorolla contempló en el Museo del Prado, asistimos al descubrimiento de un pintor en otro pintor en tres ejes: realismo, retratos y paisaje. Sorolla no madurará plenamente ni comprenderá totalmente al maestro hasta años después, cuando conozca en París a otros creadores como Anders Zorn del que dice que "él había resumido lo que nosotros, teniendo en casa a Velázquez y contemplándolo todos los días, no vemos ni entendemos por sobra de prejuicios". Sorolla empieza entonces a ser Sorolla con obras tan maravillosas como las que también podemos observar en el Museo como "La bata rosa", "Bajo el toldo" o "Paseo a orillas del mar".

Up, una peli increíble, no sólo para niños

No he dejado de oír maravillas de Up desde su estreno, incluso de gente no muy aficionada al cine de animación. La verdad es que pensaba que sería un exageración, pero no, Up es una auténtica maravilla. Una película preciosa con una historia que engancha desde el primer momento. El arranque es realmente increíble, para nada propio de una historia infantil, emociona hasta las lágrimas la historia de un niño y una niña que quieren ser exploradores y que acaban casándose y pasando toda la vida juntos. Sin embargo, su sueño de viajar a Suramérica para explorar nuevas tierras no llega a hacerse realidad... El niño, ya anciano, decide un día que ese sueño ha de cumplirse, y hace volar su casa con miles de globos. Sin embargo, lleva a un polizón muy molesto, un niño de ocho años que también quiere ser explorador. Hasta aquí la peli es increíble, sin embargo, y a pesar de que sigue estando muy bien, llegados a este punto empieza a desinflarse un poco. El film entra ya de lleno en los cánones del cine infantil, y se llena de bromas fáciles y aventuras increíbles, cobra ritmo pero pierde en emociones y en una historia bien construida como al principio de la misma. Pero claro, no podemos decir que esto sea un defecto, al fin y al cabo se trata de una peli para niños.