10.15 Saturday night

Arctic Monkeys, contundentes, pero breves y flechazo musical con Miles Kane en el Palacio de Deportes

2012-01-30T19:59:00.000+01:00

Poco puedo decir ya a estas alturas del concierto que Arctic Monkeys dieron este viernes en el Palacio de los Deportes de Madrid, toda la prensa se ha hecho eco con mayor o menor entusiasmo de su actuación. Lo que es cierto es que parecen imparables, comenzaron tocando en La Riviera, pasaron al Palacio de Vistalegre donde pude verles por primera vez en 2010 y han acabado finalmente en el Palacio de Deportes, creciendo en cada actuación en los recintos en donde tocan y en el número de seguidores. No hay duda de que es el grupo británico del momento, podríamos decir que casi casi los españoles éramos una anécdota en comparación con la gran cantidad de angloparlantes que había en el Palacio de Deportes. Venían a presentan su último disco Suck it and See donde parecen haber querido conciliar a sus dos tipos de seguidores: los de la primera etapa, más gamberra y acelerada; y los de Humbug y el proyecto paralelo de su cantante, Alex Turner, The Last Shadow Puppets, con canciones más melódicas y con un rollo 60-70. La actuación fue tan contundente como siempre, melodías pegadizas, estribillos coreados con furor y muchísima fuerza en el escenario, con la destacable voz de Alex Turner. Sin embargo, a este grupo le falta algo, cuando son gamberros son demasiado ruidosos, cuando se ponen serios, se les nota demasiado que no son un grupo de nivel. Va a ser complicado que sigan conjugando dos facetas tan complicadas de unir y mantener, quizá necesiten un disco que realmente marque la diferencia. De nuevo, la gran queja, la de siempre: que por casi 40 euros de entrada tocasen tan solo una hora y cuarto, teniendo cuatro discos ya a sus espaldas, cabrea bastante. De todos modos, creo que los que estuvimos el viernes en el concierto se lo perdonamos en cierto modo por el buen rato que nos hicieron pasar.

No puedo dejar de mencionar al telonero de la noche, o como aparecía en las entradas, el artista invitado, Miles Kane, ex The Rascals y la otra mitad del increíble proyecto The Last Shadow Puppets junto a Alex Turner. En mi caso, la gran revelación de la noche, y del que pienso hacerme pronto con su nuevo disco. Presentaba su proyecto en solitario, el disco The colour of the trap, una mezcla de rollo sixtie, brit pop, mucho retro y algo de glam rock bien conjugados, un sonido divertido y muy bailable que calentó de lo lindo el Palacio de Deportes antes de la actuación de Arctic Monkeys. Sin duda, un músico al que seguir muy de cerca. La gran decepción de la noche fue el momento que no fue y que muchos esperábamos: ya que Kane y Turner estaban juntos en un mismo recinto ¿por qué no atacar juntos alguna canción de The Last Shadow Puppets? Pues no, no hubo manera, hubo que conformarse con la actuación conjunta en la última canción del concierto de 505 del segundo álbum de Arctic Favourite Worst Nightmare. ¿Otra vez será?

'El montaplatos' de Harold Pinter sube a escena en el Matadero de Madrid de la mano de Animalario

2012-01-26T18:00:00.001+01:00

Una puesta en escena minimalista y efectiva: dos tribunas de butacas a cada lado; en el centro, el escenario, en el que tan sólo hay dos camastros; dos puertas al fondo; butacas, suelo y paredes cubiertas por plástico negro que esconden el montaplatos que da nombre a la obra. Sobre el escenario dos únicos actores: Guillermo Toledo y Alberto San Juan, excepcionales, de una naturalidad que no había visto jamás en teatro, sin declamar, parece que realmente viven lo que representan. Sin apenas variaciones (tan sólo algunos ajustes geográficos para darle más verosimilitud), la compañía Animalario lleva a escena en el Matadero la obra El montaplatos de Harold Pinter. La obra en sí es sobresaliente, la puesta en escena que hace Animalario hace justicia a una obra imprescindible del teatro moderno.

Dos hombres esperan en un sótano instrucciones, se trata de un trabajo más, son dos sicarios que deben matar sin preguntar, sin preguntarse siquiera nada a sí mismos. Pasan el tiempo como pueden, durmiendo, leyendo y comentando noticias del periódico, hasta que les llegue la orden. Parece que va a ser un trabajo más, cuando repentinamente, comienzan a llegarles absurdos pedidos de comida a través del montaplatos del sótano donde se encuentran. Será el momento de decidir si seguir obedeciendo ciegamente o si plantearse algo más. Alberto San Juan representa el papel de ser sumiso, que acata las órdenes sin rechistar, si le dicen algo lo cree ciegamente, ya lo demuestra mientras lee las noticias del periódico y, sin vacilar, afirma que han de ser verdad: "blanco sobre negro" dice, cómo dudar de ello. Por su parte, el personaje de Guillermo Toledo busca más allá de lo aparente, se pregunta cosas, se las pregunta a su compañero, busca ver más allá de lo que otros le dicen que es verdad. Una obra que sigue estando de actualidad, el conflicto entre el individuo y cualquier clase de poder opresor. ¿Nos creemos las mentiras que nos cuentan, obedecemos ciegamente, o tenemos criterio? El final de la obra, impactante, opresivo, abierto a que cada uno decida si realmente vale la pena rebelarse: si la rebelión está en marcha o si sólo somos una pieza más de ese gran engranaje de poder que mueve (y destruye) el mundo.

El autor de la obra, el británico Harold Pinter (1930-2008), fue galardonado en el año 2005 con el Premio Nobel de Literatura. Sus primeras obras de teatro han sido enmarcadas dentro del teatro del absurdo, fuertemente influenciadas por el genial dramaturgo irlandés Samuel Beckett, autor de Esperando a Godot. Posteriormente, sus obras irían tomando un cariz más político, como instrumento de denuncia ante los abusos de poder. Su activismo no ha sido solo literario, ha denunciado entre otras causas las torturas a la población kurda en Turquía, ha sido crítico con los bombardeos de Kosovo autorizados por la OTAN, se opuso a las invasiones de Afganistán y de Irak, y, junto a otros judíos, decidió no aceptar la ciudadanía israelí para condenar los abusos contra la población palestina. La obra de Pinter invita a la reflexión, él pone el escenario, los personajes y la situación, pero somos nosotros los que debemos hacernos las preguntas y responderlas.

'El sueño del celta' de Mario Vargas Llosa

2012-01-23T12:20:00.000+01:00

Título: El sueño del celta

Autor: Mario Vargas Llosa

Editorial: Alfaguara (2010)

Año de publicación: 2010

Páginas: 464
Precio: 22 euros

Desde que ha comenzado el año parece que voy de acierto en acierto lector, crucemos los dedos y esperemos que la racha siga igual. El sueño del celta de Mario Vargas Llosa ha sido uno de esos grandes aciertos, un libro magistralmente escrito, como suele suceder con los libros del Nobel peruano, entretenido y con el que a la vez se aprenden muchas cosas sin apenas esfuerzo. Mezclando la novela histórica, la biografía novelada, e incluso los libros de aventuras y viajes, Vargas Llosa devuelve a la actualidad la figura del irlandés Roger Casement, un personaje lleno de contradicciones, que ha pasado del desprestigio total a ser un héroe nacional en su país, pero ante todo, un personaje muy humano.

Roger Casement

Roger Casement nació en 1864 en Sandycove, cerca de Dublín, en el seno de una familia protestante y probritánica. Casement, como muchos irlandeses de la época, está ciego ante la invasión británica a su país, de hecho, trabajó como diplomático para el Gobierno británico y llegó a alcanzar grandes honores, como el de ser nombrado sir, por el país que terminaría por asesinarle. Su trabajo como cónsul le llevó a viajar por todo el mundo y conocer la realidad del colonialismo, en especial en las explotaciones de caucho del Congo y del Amazonas, donde los indígenas eran explotados y masacrados para que occidente tuviera el preciado caucho que luego se utilizaría por ejemplo en la fabricación de ruedas. En un principio Casement piensa, como muchos de su generación, que el colonialismo es necesario, un "favor" que los occidentales hacen a esos "salvajes" llevándoles educación, sanidad y una vida mejor. Poco a poco, a medida que va conociendo las barbaries que se cometen, se da cuenta de su error. El colonialismo solo beneficia a los colonizadores y aplasta a los colonizados. Es en ese momento cuando comienza a tener conciencia de que su propio país, Irlanda, es una colonia de la Inglaterra invasora. Y es en ese momento, cuando decide luchar por la independencia de su país, por la recuperación de su idioma, el gaélico, sus costumbres y tradiciones, prohibidas por el invasor. Esa lucha por la libertad de Irlanda le llevará ante los tribunales británicos y finalmente a la horca, donde moriría a los 52 años de edad. No contentos con ello, los británicos orquestaron una política de desprestigio contra él, utilizando su condición de homosexual para desprestigiarle en una época en la que dicha tendencia sexual era algo condenable, especialmente en un país radicalmente católico como Irlanda.

Tumba de Roger Casement en Glasnevin

La historia de Casement es absolutamente fascinante, de hecho, al terminar el libro nos queda la sensación de que el autor podría haber escrito dos o tres libros más sobre el irlandés, dada la intensa vida que vivió este, y que, además, estaríamos encantados de leerlos. La novela se divide en tres partes, una dedicada al Congo, otra a la Amazonía y una tercera a Irlanda, todo ello con continuos saltos temporales al presente del protagonista, encerrado en la prisión de Pentonville, en Londres, días antes de su ejecución. A su alrededor, podremos conocer a personajes históricos como Leopoldo II, rey belga al que regalaron por su cumpleaños el Congo, y que trata el lugar y a sus gentes como si fueran de su propiedad, con terribles torturas; el famoso explorador Stanley, quien no siente ninguna piedad por los africanos; o el escritor Joseph Conrad, con quien Casement compartiría la experiencia del Congo y que el primero plasmaría en su genial novela El corazón de las tinieblas. Si la parte del Congo es dura, la dedicada al Amazonas, en la peruana zona del Putumayo, lo es aún más. Los indígenas son cruelmente torturados y mutilados, muchas veces tan sólo para la propia diversión de los jefes de las explotaciones caucheras, quienes, al no tener que rendir cuentas a nadie por lo que hacen, dejan aflorar sus instintos más sádicos. Casement escribió sendos informes sobre el Congo y el Amazonas, sobre las barbaridades que se cometían allí, que le valdrían el reconocimiento internacional por su labor en favor de causas humanitarias. Por último, la parte dedicada a Irlanda nos relata todo el movimiento revolucionario por la independencia del país, que se saldó con el sonoro fracaso del Alzamiento de Pascua. Por la novela desfilan numerosos personajes históricos y muchísimos escritores e intelectuales con los que se relacionó Casement, es el caso del escocés Arthur Conan Doyle, los irlandeses William Butler Yeats y George Bernard Shaw, el periodista Edmund D. Morel, o la historiadora Alice Stopford Green, entre muchos otros. Se trata de una novela en la que se aprende casi sin darnos cuenta, donde desde el primer momento simpatizamos con Casement a pesar de que nos llevemos las manos a la cabeza ante su ingenuidad, y su carácter soñador, los cuales le hicieron no ser todo lo práctico que debiera y acabar ajusticiado. Un libro para disfrutar y aprender, para que, especialmente los occidentales, nos planteemos en qué ha consistido la colonización y el daño que ha hecho a tantas personas, para viajar, para conocer a un personaje histórico que no era tan visible, en definitiva, un libro con el que disfrutar de la primera a la última página.

Rory Gallagher: 'A million miles away'

2012-01-20T19:00:00.000+01:00

Hace tiempo que no comparto música en el blog, algo a lo que quiero ponerle remedio ya mismo, porque para mí la música es tan importante como los libros. De hecho, el vídeo del absolutamente genial guitarrista irlandés Rory Gallagher que traigo hoy está muy relacionado con mis últimas lecturas. Como ya dije a mi vuelta del viaje que hice a Irlanda en diciembre, he estado sumergiéndome en la literatura irlandesa con algunos autores nuevos para mí como el increíble poeta William Butler Yeats o viejos conocidos como mi adoradísimo Oscar Wilde al que no volvía desde hacía años y con el que estoy disfrutando muchísimo de su ingenio y humor incisivo. También he podido adentrarme un poco más en la historia de Irlanda a través del activista por la independencia del país Roger Casement, retratado por Mario Vargas Llosa en la excepcional novela El sueño del celta. Aún me quedan lecturas que hacer, autores por descubrir y otros que retomar, pero para empezar el año no ha estado nada mal. Además, mi objetivo del año de tomarme mis lecturas y el blog con calma, y de escoger mejor los libros, están dando sus frutos, y estoy disfrutando el doble de lo que leo. De momento, y para recordar un viaje con el que disfruté muchísimo os dejo la preciosa canción A million miles away de Rory Galagher, considerado uno de los mejores guitarristas de la historia. Espero que os guste. ¡Feliz fin de semana!

'Las Partículas Elementales' de Michel Houellebecq

2012-01-16T18:30:00.002+01:00

Título: Las Partículas Elementales (Les particules élémentaires)

Autor: Michel Houellebecq

Editorial: Anagrama (mayo 2011)

Año de publicación: 1998

Páginas: 328
Precio: 10 euros

"La desgracia sólo alcanza su punto más alto cuando hemos visto, lo bastante cerca, la posibilidad práctica de la felicidad."

No es sólo que esté un poco perezosa (que lo estoy, lo admito), es que hablar de los libros de Houellebecq no es nada fácil, por eso, aunque terminé Las partículas elementales hace ya un tiempo, no me he decidido a escribir sobre él hasta ahora. Me da la sensación de que cuanto más me esfuerzo por explicar por qué estoy tan fascinada con él, menos lo consigo. Me pasó con mi chico, le estuve hablando sin descanso de este libro mientras lo leía, se lo recomendé una y otra vez, y al final conseguí que lo leyera con el trato de que yo leería el libro que él estaba leyendo en ese momento (lo cual ha sido un trato excelente porque es El sueño del celta de Mario Vargas Llosa que me está entusiasmando). La cosa es que ahora que lo está leyendo, me dice que le está encantando, pero que es cierto, que no pude transmitirle lo que era el libro, que ha tenido que leerlo por sí mismo para comprenderlo. Y es que Houellebecq no es un autor fácil, y no porque su prosa sea complicada, sino porque cada frase suya es como un puñetazo directo al alma del que lee, nos habla, más bien susurra y a veces vocifera al oído, nos sacude e incluso nos da más de una bofetada, y a pesar de eso se lo consentimos, es más, seguimos leyendo deseando que siga vapuleándonos, que nos despierte del letargo en el que solemos vivir. No soy de las que piensa que ciertos libros tienen ciertos lectores, soy más categórica que eso, están los libros que entretienen y que pueden gustar a un lector o no, y luego está la literatura, la literatura con mayúsculas, aquellos libros que no son para soñar o evadirse, sino que contienen una pequeña porción de universo. Al cerrarlos parece que vemos algo más claro en medio del caos de esta vida, libros para pensar, en definitiva. Los libros de Houellebecq entran dentro de esta segunda categoría, son libros que todo el mundo debería leer.

Michel Houellebecq

Con esto no quiero asustar a nadie, de hecho, Las partículas elementales es un libro que se lee mucho mejor que el primer libro que leí de Houellebecq el año pasado, El mapa y el territorio. La historia, la superficie, nos habla de dos hermanos, Michel y Bruno, el uno encerrado en la ciencia, casi célibe, solitario y que no se siente unido a ningún otro ser humano; el otro, un devorador insaciable de sexo, racista, solitario también, y que inexplicablemente, a pesar de su carácter aborrecible, nos inspira ternura y lástima. Ambos llenos de carencias, de soledades, de inseguridades. Todo ello en un marco inmejorable: Francia en los años 60. Las comunas hippies, la libertad sexual, la píldora, la música rock, Jimi Hendrix, Mick Jagger, el musical Hair, la llegada del hombre a la luna, mayo del 68... Un retrato de una sociedad y una época en las que el mundo aún creía que podían cambiarse las cosas. Houellebecq nos demuestra que no, que el ser humano está abocado al fracaso, a repetir los mismos errores una y otra vez. Si hay algo que me gusta en especial de esta novela es que cada frase invita a ser leída dos veces, a parar a reflexionar en ella. Houellebecq puede parecer un cínico, un depravado o simplemente un pesimista sin remedio, sin embargo, creo que detrás de todo ese discurso derrotista se encuentra una persona de una gran sensibilidad, consciente de lo que se nos viene encima, de todo lo oscuro y perverso en lo que intentamos no pensar.

"Uno puede enfrentarse a los acontecimientos de la vida con humor durante  años, a veces muchos años, y en algunos casos puede mantener una  actitud humorística casi hasta el final; pero la vida siempre nos rompe  el corazón. Por mucho valor, sangre fría y humor que uno acumule a lo  largo de su vida, siempre acaba con el corazón destrozado. Y entonces  uno deja de reírse. A fin de cuentas ya sólo quedan la soledad, el frío y  el silencio. A fin de cuentas, sólo queda la muerte."

A pesar de ese tono fatalista, por el que comienzo a entender por qué se habla tanto de Sartre y de los existencialistas franceses a la hora de hablar de Houellebecq, la novela tiene momentos de un humor visceral que me ha recordado en algunos aspectos al Bukowski más lascivo. Bruno (y sus correrías sexuales) es el protagonista de esos momentos que nos llevan de la carcajada a la lástima, sin duda, y pese a no ser el protagonista de la novela, ha sido mi personaje favorito de la misma. Me da la sensación de que una vez más, no he sabido explicar bien qué ha significado para mí este libro, sólo puedo recomendaros que lo leáis, que os dejéis llevar por Houellebecq, confiad en él, dejaos arrastrar aunque os muestre al lado más oscuro del alma humana. Si en su momento dije que El mapa y el territorio era de los mejores libros que había leído en 2011, Las partículas elementales me ha parecido aún mejor, me ha conmovido desde muy dentro. Ahora sí, puedo decirlo ya, Michel Houellebecq es mi gran descubrimiento de los últimos años, del que voy a ir devorando todo lo que caiga en mis manos.

La magia de la fotografía: Eve Arnold continúa viva a través de sus imágenes

2012-01-12T16:00:00.001+01:00

El pasado miércoles fallecía en Londres, a los 99 años, la fotógrafa estadounidense Eve Arnold, famosa por sus retratos de Marilyn Monroe y por ser la primera mujer que entró a formar parte de la prestigiosa agencia Magnum.

Sus imágenes son sencillamente maravillosas, pero este homenaje quiero dedicárselo también por razones personales, ya que tiene un valor especial para mí: una reproducción de la primera fotografía de esta entrada cuelga enmarcada en mi pasillo, la tengo ya desde hace años, se vino conmigo desde mi anterior piso y ahora continúa teniendo su lugar de honor junto a otras tres fotografías de mis también adoradísimos Henri Cartier-Bresson, Alfred Eisenstaedt y Philippe Halsman.

Fue, de hecho, Cartier-Bresson quien decidió proponer a Eve Arnold para que entrara a formar parte de la agencia Magnum en 1951, tras ver algunos de sus trabajos y quedar fascinado por ellos.

"Había sido pobre y quise documentar la pobreza; había perdido a un hijo, y estuve obsesionada con los nacimientos; estaba interesada en política y esperé saber cómo afectaba nuestras vidas; soy una mujer y quise saber sobre las mujeres", la propia Eve Arnold resumía así los principales ejes de su trabajo en una entrevista concedida a la agencia AP.

Eve Arnold nació en Filaelfia en 1912, estudió fotografía y cine en la New School for Social Research de Nueva York. Sus fotografías han aparecido en publicaciones del prestigio de Life, Paris Match, Stern, Sunday Times o Vogue.

De hecho, estuvo trabajando hasta el último momento, ya que todavía colaboraba con diarios de renombre como The Sunday Times.

Apenas hace un año recibió en Cannes un galardón en reconocimiento a su carrera profesional. Además, a lo largo de su carrera recibió numerosos reconocimientos, entre los que destaca la Orden del Imperio Británico.

Sus imágenes de denuncia de la pobreza y el racismo son quizá las más emblemáticas. Fue una fotógrafa comprometida que destacó por sus retratos espontáneos, por su objetivo desfilaron algunas de las caras más destacadas del siglo XX como la reina Isabel II, Jacqueline Kennedy o Malcolm X.

Sin embargo, las imágenes que la harían realmente popular fueron las que tomó a mi adoradísima Marilyn Monroe, de la que supo retratar sus mil y una caras, sus contradicciones.

También retrató a otros rostros populares del celuloide como Marlene Dietrich, Joan Crawford, Clarck Gable, Paul Newman o Elizabeth Taylor.

Realizó numerosos monográficos a lo largo de su vida, pero quizá el más popular de todos fue el que realizó durante el rodaje de la película Vidas Rebeldes de John Huston en 1960, en las que Marilyn Monroe es la protagonista indiscutible.

Marilyn es retratada en estas imágenes posando, jugando con la cámara, pero también de manera espontánea sin saber que la estaban retratando, descansando, alegre, enfadada, triste... Un auténtico manual para ver a fondo las mil caras de la actriz.

Uno de sus últimos y más reconocidos monográficos fue el que realizó sobre China, con imágenes llenas de magia y realmente hermosas como la última que os muestro. Una vida intensa, llena de viajes y de fotografías indispensables que tenemos la suerte de poder seguir admirando. Es la magia de la fotografía. Espero que hayáis disfrutado de unas imágenes que no me canso de contemplar y que hablan por sí solas sin necesidad de decir nada más.

'El jardín olvidado' de Kate Morton

2012-01-09T17:00:00.004+01:00

Título: El jardín olvidado (The Forgotten Garden)

Autor: Kate Morton

Editorial: Suma de Letras (mayo 2010)

Año de publicación: 2008

Páginas: 544
Precio: 21 euros

Tenía en el punto de mira esta novela ligera y entretenida y aproveché la lectura conjunta organizada por María en su blog De todo un poco para devorarla durante estos días navideños en los que, entre compromisos, unas cosas y otras, es imposible concentrarse durante mucho tiempo seguido en una lectura. Aún así, como digo, la he devorado en pocos días, incapaz de dejarla ni un momento de lado. El jardín olvidado, utilizando varios escenarios (Australia, Londres y la costa de Cornualles) y varias épocas, desde principios del siglo XX hasta nuestros días, nos introduce en una saga familiar, en la que varias generaciones conviven con un misterio que finalmente será resuelto. Todo comienza cuando una niña pequeña, que parece haber perdido totalmente la memoria, aparece sola y con la única compañía de una maleta blanca, en el puerto de Maryborough, en Australia, después de viajar sola en un gran barco desde Londres. El misterio de quién es esa niña, por qué la abandonaron en un barco con destino a Australia y por qué nadie la buscó jamás, persigue a varias generaciones de mujeres de una familia, llevándolas en su investigación hasta el Londres de principios de siglo.

Costa de Cornualles

La novela es muy ligera, se lee en un suspiro y nos mantiene en vilo, deseando seguir leyendo un capítulo tras otro para ir desvelando el misterio. A través de tres mujeres: Eliza, Nell y Cassandra, sus historias e investigaciones, iremos desentrañando una historia que bebe de varias fuentes: desde las historias de Dickens sobre niños huérfanos y explotación infantil, pasando por las novelas románticas decimonónicas o los cuentos populares infantiles, ya que en la novela se introducen cuentos de hadas creados por la autora que tienen una relación muy estrecha con el argumento de la historia del que no quiero contaros absolutamente nada más para que lo vayáis descubriendo vosotros mismos si os decidís a leerlo.

John Singer Sargent, Las hermanas Wyndham

Si bien los cuentos de hadas son uno de los ejes principales de la historia, también ocupa un papel muy importante la pintura y el coleccionismo, por ejemplo, aunque brevemente, se nombra el cuadro que os muestro de John Singer Sargent, Las hermanas Wyndham, y otro pintor, esta vez imaginado, será crucial en la trama. La novela avanza sola entre las manos tanto por su lenguaje sencillo, abundancia de diálogos y capítulos cortos, como por la variedad, ya que se van alternando capítulos en los que la protagonista es Nell, Eliza o Cassandra, a lo largo de distintas épocas y lugares. Una historia ligera para pasar el rato, de las que no dejan poso pero que se disfrutan y son adictivas, con un final y una trama, eso sí, más que predecibles desde el primer momento, aunque no por ello nos mantiene menos enganchados a la historia. Kate Morton pasará sin pena ni gloria como escritora, lo suyo son los best sellers de consumo rápido y olvido más rápido aún, a pesar de ello, El jardín olvidado es sin duda una novela que os entretendrá y que no podréis soltar hasta haber leído hasta la última página.

Reseñas lectura conjunta El Jardín Olvidado:

- El universo de los libros

- Arte para contar

- Libros que hay que leer

- De todo un poco

-Cris y sus mariposas

- De tinta en vena

-Mis lecturas y más cositas

-Cuéntate la vida

- La Caverna Literaria

'Gotthard Schuh. Una mirada artística en la fotografía documental' en la Sala Azca de la Fundación Mapfre

2012-01-05T14:00:00.000+01:00

Como me ha sucedido con las lecturas, también ha habido algunas exposiciones que he visto durante 2011 y que han quedado sin asomarse por el blog. Además, estos días navideños estoy aprovechando para ver algunas muestras a las que no había podido acercarme aún.

Parlez-moi d'amour, París (1932)

El plan es perfecto: mientras la gente se hacina en centros comerciales y tiendas comprando, pudimos ver el mismo día de Nochevieja por la mañana la magnífica exposición dedicada al fotógrafo Gotthard Schuh en la sala Azca de la Fundación Mapfre Vida totalmente solos. Por un lado, es una pena que una muestra así suscite tan poco interés, por otro, fue un auténtico lujazo poder verla sin un alma en la sala, como si la hubiesen abierto tan solo para nosotros.

Muchachos en la National Gallery, Londres (1937)

Los que pasáis habitualmente por aquí ya sabéis que me encanta la fotografía en blanco y negro, en concreto, la que va de los años 30 a los 50. Me transporta a ciudades como París o Nueva York que, aunque hoy siguen siendo excepcionales, tenían en aquel entonces una magia y un encanto que un puñado de fotógrafos supo inmortalizar y traer hasta nuestros días. Es el caso de Gotthard Schuh, primero pintor y luego fotógrafo, cuyas imágenes son evocadoras a más no poder.

Cancán en el Tabarin, París (1936)

La muestra ha sido llevada a cabo en colaboración con la Fotostiftung Schweiz de Winterthur, de donde provienen las imágenes. Podemos ver un total de 113 fotografías: 93 de Schuh tomadas entre 1929 y 1956; y 20 de otros fotógrafos contemporáneos o que tuvieron alguna relación con él, como Robert Frank, Werner Bischof, Jakob Tuggener y René Groebli. Mientras veía la muestra, se me fueron irremediablemente los ojos a la imagen que os muestro aquí abajo del fotógrafo Werner Bischof.

Werner Bischof, Monje sintoísta en el templo Meiji, Tokio (1951)

Volviendo a Schuh, nació en Berlín en 1897 y falleció en Zurich en 1969, y es considerado uno de los fotógrafos suizos más importantes del siglo XX. En 1930 decidió dejar de lado su carrera como pintor y meterse de lleno en la fotografía, convirtiéndose en un pionero en el fotoperiodismo.

Noche de invierno ante el Teatro Municipal, Zurich (1932-1935)

Lo más fascinante de la muestra es cómo el fotógrafo viajó incansablemente por todo el mundo captando lo que veía con su cámara y haciéndonos viajar con esas imágenes con él. Uno de sus libros de fotografías más famoso es Islas de los dioses, publicado en 1941, donde muestra las imágenes que tomó durante sus viajes por Singapur, Java, Sumatra y Bali.

Prigi, Bali (1939)

La muestra puede verse hasta el próximo 19 de febrero en la Sala de Exposiciones AZCA de la Fundación Mapfre (Avda. General Perón, 40 - Planta baja del Centro Comercial Moda Shopping) los lunes de 14 a 21 horas; de martes a sábado de 10 a 21 horas; y los domingos y festivos de 12 a 20 horas. La entrada es gratuita.

Minero, Winterslag Bélgica (1937)

Espero que os haya fascinado este fotógrafo tanto como a mí, y que quienes podáis os animéis a visitar la exposición. Para los que no tengáis la oportunidad de acercaros a Madrid, espero, como siempre, haberos podido acercar algo de la muestra y que la hayáis disfrutado. Y para todos, que los Reyes Magos se porten muy bien con vosotros y os traigan muchos regalos, yo ya les he pedido unos cuantos libros que espero no se olviden de traerme. ¡Feliz fin de semana!

Amantes en Parco della Rimembranza, Roma (1950)

'Sayonara Mio' de Tabuji Ichikawa

2012-01-02T08:00:00.000+01:00

Título: Sayonara, Mio (Ima, ai ni yukimasu)

Autor: Takuji Ichikawa

Editorial: Alfaguara (2011)

Año de publicación: 2003

Páginas: 256
Precio: 16 euros

Cuando Mio murió, pensé que quien haya hecho nuestro planeta debió de hacer otro al mismo tiempo en algún lugar del universo. Sería el planeta al que van las personas cuando mueren. Ese planeta se llama Archivo.

Mi primera reseña del año pertenece, como va a venir pasando durante un tiempo, a una lectura del año pasado, son unas cuantas las que se me han quedado en el tintero, pero que poco a poco irán apareciendo por aquí. Este es uno de esos libros que con tan solo ver la portada y leer estas primeras líneas iniciales, apetece leer. En un principio pensé que iría en la misma dirección que otras novelas de éxito japonesas como Cosas por las que llorar cien veces de Kou Nakamura o Un grito de amor desde el centro del mundo de Kyoichi Katayama, pero no. A pesar de que Sayonara, Mio narra una historia triste no lo hace con ese tono amargo y trágico que usan las dos novelas que he nombrado. La gran virtud de esta novela es que trata la muerte y los sentimientos que esta provoca en los que se quedan de una manera muy tierna y serena. El autor, el tokiota Takuji Ichikawa, ha sabido aunar la sencillez de la escritura que suele definir a los autores japoneses, grandes dosis de ternura y algo de fantasía, para construir una pequeña fábula urbana y actual, cuya moraleja es ni más ni menos, que las cosas más pequeñas son las más importantes, que cada pequeño gesto diario, cada caricia, beso o simplemente mirada de los que amamos son lo más precioso que tenemos. Quizá algún día perdamos todo eso, pero hasta entonces, hay que regodearse y disfrutar de ello como si fuera la última vez que podamos hacerlo. Takuji Ichikawa ensalza lo esencial de la vida y crea con ello una novela de sentimientos, personajes y amor, tanto el de una pareja como el de padres e hijos.

En  todas esas expresiones sencillas como "Buenos días", "Buenas noches",  "Qué rico está esto", "¿Has dormido bien?", es donde reside el amor.

Me dije que eso era lo que significaba ser una pareja.

Pero en aquellos momentos no lo comprendí.

Takkun y su hijo de seis años Yuji tratan de salir adelante como pueden tras la muerte de Mio, esposa y madre respectivamente. Aunque no hay grandes exteriorizaciones del dolor que les causa la pérdida, pues ya ha pasado un tiempo desde esta, Takkun es incapaz de cumplir la promesa que le hizo a su mujer de cuidar de su pequeño y seguir adelante. Ambos van siempre con la ropa llena de manchas, la casa es un desastre y Yuji tiene que ocuparme muchas veces de más cosas de las que debiera. A todo esto hay que sumarle la gran cantidad de fobias que tiene Takkun, un treintañero bastante despistado y dejado, por ejemplo, no puede entrar en el cine, ni puede recorrer grandes distancias porque los trenes, aviones y autobuses le dan pánico. Cada vez que se enfrenta a una situación difícil, su corazón parece a punto de estallar. Un día, durante el primer día de la estación de lluvias, se produce el milagro mientras ambos pasean entre las ruinas de una fábrica de sake en medio de un bosque. Allí, de la nada, aparece una mujer que es exactamente igual que Mio, aunque no tiene ningún recuerdo. Mio había prometido a Takkun que regresaría el primer día de la estación de lluvias para comprobar que todo les va bien, algo a lo que este se aferra, a pesar de que no haya cumplido su promesa.

Takuji Ichikawa

Una novela como veis a medio camino entre la fantasía y la realidad, de hecho, el único elemento fantástico es la repentina aparición de Mio, que debería estar muerta. Todo lo demás es relativamente normal a partir de ese hecho insólito, la novela se centra en las relaciones entre los tres personajes y en el tema recurrente de la necesidad de seguir adelante cuando perdemos a un ser querido, aunque en principio parezca imposible. Como digo, la novela no se recrea en temas tristes o en transmitir al lector un sentimiento desesperado, al contrario, con un tono incluso un tanto ingenuo y dulce, asistimos a la pérdida de Takkun y Yuji y su intento por salir adelante con o sin Mio.

Cartel de la película estrenada en 2004 y basada en la novela

Algo en lo que suelen fallar la mayoría de las novelas, incluso aquellas escritas por grandes autores, es a la hora de hacer hablar a los personajes infantiles. Normalmente se tiende a hacerles hablar y actuar como adultos o como a "un niño muy maduro para su edad", algo que me parece un gran fallo. Sin embargo, en ese sentido Sayonara, Mio ha sido toda una sorpresa, el pequeño Yuji es un niño como lo son los de la realidad, de hecho habla como un niño, repite las cosas mil veces, pregunta mucho, se equivoca y se comporta como un niño pequeño. De hecho, al haber conseguido retratar a un niño real, el autor ha conseguido que empaticemos en seguida con este personaje, es un verdadero encanto. Como suele suceder con la narrativa japonesa contemporánea las alusiones a la cultura occidental son continuas, por lo que si no estáis habituados a leer literatura japonesa, no os preocupéis, porque esta novela se sigue a la perfección, tan solo los nombres de los personajes y algunos pequeños detalles nos sitúan en Japón, por lo demás es una historia que podría suceder en cualquier parte del mundo. La cultura occidental impregna toda la novela y se hacen continuas alusiones a películas como Momo o La historia interminable, a la serie de televisión Expediente X, o a personajes como Woody Allen, Charlie Brown o Snoopy.

Portada de la edición anglosajona

Como Takkun decide escribir una novela sobre su mujer, vamos conociendo poco a poco su historia, cómo coincidieron desde muy pequeños en clase y cómo se enamoraron y fueron construyendo sus vida juntos. El libro es una delicia, se lee muy rápido, contiene muchos diálogos, es dinámico y muy corto. Sin embargo, hay un pequeña pega que quiero ponerle, y es el final. Todo parecía encaminado hacia un final muy determinado, y en el último momento hay un giro que no me ha gustado nada, aunque claro, eso ya son gustos y percepciones muy personales, pero es que la nueva explicación de por qué está allí Mio, tratando de ser más racional dentro de la irracionalidad de todo, no me ha acabado de convencer. A pesar de ello, es una lectura ligera que os recomiendo para pasar un rato agradable, no es una novela que vayamos a guardar para siempre en la memoria pero es bonita y está bien escrita, trata con mucha delicadeza un tema duro como es la muerte de un ser querido, sin grandes dramas y es perfecto para comenzar a leer a autores japoneses contemporáneos.

Mis mejores lecturas de 2011

2011-12-30T09:00:00.000+01:00

Seymour Joseph Guy, Joven leyendo (1877)

Mis lecturas de 2011 han sido en general bastante satisfactorias, he conocido a autores nuevos que me han fascinado, como es el caso de Michel Houellebecq que me tiene totalmente cautivada o en otra línea, Irène Némirovsky, con una prosa espectacular. Han caído algunos clásicos y novedades, y he "viajado" a través de los libros a lugares donde nunca había estado antes, literariamente hablando. También ha habido decepciones y libros que he dejado sin terminar. A raíz de la preparación de esta entrada me he hecho unas cuantas reflexiones personales de cosas que voy a intentar cambiar el año que viene. Como vengo viendo en otros blogs, me he dado cuenta de que mi blog también me está influyendo demasiado en las lecturas que hago, libros más cortos para no detener el ritmo de publicación, compromisos y libros que me envían editoriales que se me van acumulando... Pero lo que ha sido catastrófico para mí ha sido darme cuenta de que durante este año solo he leído un libro de poesía, el de Kerouac. Sé que muchos no sois lectores de poesía, pero es que a mí me encanta la poesía, siempre ha sido uno de mis géneros favoritos, y veo que por culpa del tema reseñas y demás, está perdiendo terreno frente a la novela. Lo mismo pasa con el teatro (¡no he leído nada de teatro este año!) o la no ficción. Las novelas son geniales, sí, pero hay otros géneros que siempre me ha gustado leer y que veo que han perdido a lo largo de este año un peso importantísimo. De todos modos, es algo a lo que estoy poniendo ya remedio.

André Kertesz: Greenwich Village, Nueva York, mujer leyendo en la ventana de incendios

Así que, primera reflexión, nada de retos. Este año no me apuntaré a retos nuevos salvo a aquellos que ya por tradición estoy apuntada como el Reto de Meribélgica. En cuanto a las lecturas conjuntas, de momento me voy a quedar tan solo con el recién creado Café literario por su frexibilidad, leemos lo que queremos cuando queremos y a nuestro ritmo, sin presiones, podéis apuntaros libremente. Por último, ser más ordenada con mis lecturas, elegir mejor los títulos, con cabeza, no sentirme presionada por el blog. A ver si lo consigo que sé de más de uno y de dos que han terminado por echar el cierre a sus blogs por este tipo de presiones y no quiero que me pase esto.

Marilyn Monroe

Este año he decidido dar un giro a mis lecturas y decantarme por los clásicos, la literatura oriental y los autores menos conocidos. Pensaréis que eso ya lo hacía, pero ahora más, espero que no dejen de interesaros las cosas de las que hable, pero es que de verdad necesito darle otro rumbo a mis lecturas. Por supuesto, seguirá habiendo alguna que otra lectura comercial y actual, tengo algunos libros acumulados de este tipo, pero por ejemplo, si tengo que tirarme un mes sin reseñas de libros porque estoy con un tocho clásico, lo haré. Espero que siga gustándoos el blog a pesar de mis nuevas intenciones.

Ver Viajes Literarios 2011 en un mapa más grande

Algo que me ha dado que pensar ha sido hacer este mapa de mis viajes literarios durante 2011. La idea la he tomado del blog Leer sin prisa, me pareció una idea tan buena y original que con su permiso, he decidido hacer también mi mapa. En él reflejo los países por los que he viajado con la imaginación gracias a los libros que he leído este año. Una de las cosas que más me gusta de leer es poder ir a otros países y otras épocas e impregnarme de su cultura, espero poder deciros algún día que he visitado en persona todos esos lugares, pero de momento, la lectura es un sucedáneo de lo más apetecible. Pensaba que no serían muy variados los destinos que he visitado con los libros, pero sí que lo han sido. Este año ha predominado Francia frente al resto, he pasado mucho tiempo en París gracias a libros increíbles y a autores franceses o no que han querido situar allí sus novelas. Otro destino recurrente ha sido Estados Unidos, en especial Nueva York, aunque con cierta fuerza también California. Más arriba, he llegado hasta la siempre fascinante Alaska. En América del Sur me he detenido tan solo en Perú y en Brasil, este año que viene me pongo como deberes viajar más al continente americano. Aunque la literatura española es hoy en día la que menos me interesa, me he detenido en Madrid, Barcelona y Valencia. En el resto de Europa, he estado algo en Inglaterra, Alemania, Austria, Bélgica, Italia, Suecia, Lituania y Turquía. En Rusia me he detenido brevemente, llegando incluso a Siberia y al Circulo Polar Ártico. Ya en el continente asiático, como sabéis, mi favorito, ha habido viajes a Bangladesh, Birmania, China, y en especial, cómo no, a mi adoradísimo Japón. En Oceanía, he visitado Australia y Nueva Zelanda, a los que pienso volver, esta vez con autores autóctonos. Esta vez África se ha quedado fuera igual que gran parte del mundo árabe o la India, un país que me encanta en literatura pero que este año no he tocado. Espero que en 2012 sean aún más los destinos a los que llegue gracias a los libros.

Charles Dickens

No quiero dar por terminada esta entrada de repaso a este año que dejamos, sin recordaros que en este 2012 que comenzamos se va a celebrar un importantísimo aniversario: el bicentenario del nacimiento de Charles Dickens el 7 de febrero. En Inglaterra se van a llevar a cabo numerosas actividades, y por mi parte, contribuiré leyendo algún libro del novelista inglés, en mente tengo Historia de dos ciudades, aunque acepto sugerencias. Otro al que recordaremos durante este año es al genial Bram Stoker, creador de Drácula, el 20 de abril se cumple el centenario de su muerte. Como ya he leído un par de veces su obra cumbre, investigaré a ver si encuentro algo más suyo.

Al igual que el año pasado, repito deseos para 2012, que sea un año lleno de más y mejor cultura, en el que consigamos por fin salir de la crisis y lograr todas nuestras metas.

¡Feliz Año!

'Un dios salvaje' de Roman Polanski

2011-12-28T12:00:00.000+01:00

Con los años una va cogiendo experiencia, o creyendo que la coge, y volviéndose categórica, lanzando máximas de las que luego puedo y creo que me arrepentiré a los dos días, pero bueno, allá va la máxima que me ronda la cabeza últimamente: para acertar y ver una buena película hay que pasar olímpicamente del argumento de la misma, de sus actores o de los tráilers que muchas veces son más un resumen de la película entera (final incluido) que un reclamo. Para acertar a la hora de ver una peli solo hace falta fijarse en el director. Ya está, dicho queda. Y es que últimamente la experiencia me dicta que si voy a ver un film de Clint Eastwood, Lars von Trier, Woody Allen o Almodóvar, me da exactamente igual lo que quieran contarme, que me hablen de rugby que no me interesa nada, del apocalipsis que me es indiferente, de crisis de identidad o de cambios de sexo imposibles que me dejan fría, me da igual, porque hablen de lo que hablen, conseguirán engancharme en argumentos que en principio no me llamarían la atención, saldré encantada del cine y tendré la sensación de que ha sido un dinero bien gastado. Dentro de esa nómina de directores que nunca me defraudan (y crucemos los dedos porque siempre puede haber un batacazo) vamos a incluir a Roman Polanski, aunque haya hecho de las suyas con bodrios infumables como La novena puerta. Pasando eso por alto, Polanski suele ser sinónimo de buen cine y además entretenido. Quién me hubiera dicho a mí que las discusiones, fobias y problemas domésticos de dos parejas con hijos me iban a interesar. Y sí, Un dios salvaje me ha gustado y mucho. Ya me quedé con ganas de ver la obra de teatro de Yasmina Reza cuando estuvo en Madrid, así que no puedo comparar obra y film, pero lo que es la película, me ha encantado.

El argumento es tan sencillo como dos parejas de neoyorquinos reunidas en el apartamento de uno de ellos. El hijo de uno de los matrimonios ha pegado al hijo del otro, y los padres se han reunido para hablar civilizadamente del asuntillo y tratar de resolverlo lo más cordialmente posible. Pero no cuentan con ese dios salvaje que habita en todos nosotros, esa bestia que ni siquiera siglos de evolución ha conseguido apaciguar, y ya os podéis imaginar que la cosa se les va de las manos. Divertidísima a ratos, reflexiva en otros, Un dios salvaje nos hace reír mientras pensamos lo humanas que son esas reacciones y que quizá nosotros mismos caeríamos en ellas también. Kate Winslett, una actriz que antes no me decía nada y que cada vez me gusta más y más, está simplemente perfecta en su papel. El otro destacado es Christoph Waltz, absolutamente genial, y el personaje más divertido del film. Jodie Foster está perfectamente insoportable, el personaje que más he odiado del film, la típica mujer acomodada que sin embargo dice sufrir por las tragedias ajenas y se le llena la boca hablando de derechos humanos, sin ni siquiera darse cuenta de lo absurdo de su discurso y lo falso que resulta. John C. Reilly, en la piel del marido sumiso, borda también su papel. Una película como esta, que transcurre prácticamente toda en un apartamento y que recuerda constantemente al teatro e incluso a las películas clásicas donde lo importante eran los diálogos, las réplicas y contraréplicas agudas, sin ayuda de efectos especiales ni giros traídos de la mano del guión, necesitaba unos actores de altura, y los tiene. Las máscaras y convencionalismos sociales acaban cayendo "Yo sí sé lo que se sufre en África" dice una Jodie Foster rodeada de carísimos catálogos de Kokoschka en edición vintage desde su cómodo y lujoso piso neoyorquino. Polanski borda una película que pone sobre la mesa la falsedad de nuestra sociedad actual, las máscaras tras las que nos escondemos, las mil y una hipocresías que vivimos y esa falsa urbanidad en la que nos refugiamos a diario. Una película para disfrutar desde el primer minuto y a la que solo le puedo poner la pega de su brevedad, tan solo 80 minutos de metraje que dejan con ganas de más, o quizá eso también sea una virtud.

'Santuario' de Edith Wharton

2011-12-26T10:00:00.002+01:00

Título: Santuario (Sanctuary)

Autor: Edith Wharton

Editorial: Impedimenta (diciembre 2007)

Año de publicación: 1903

Páginas: 176
Precio: 17,50 euros

Resulta poco frecuente que la juventud se permita una felicidad perfecta. Da la impresión de que deben realizarse demasiadas operaciones de selección y rechazo como para poder ponerse al alcance del subyugante despertar de la vida.

Aunque tengo en casa desde hace tiempo La edad de la inocencia, al final ha sido Santuario la novela con la que me he estrenado con Edith Wharton, una autora que llevaba tiempo queriendo probar y que no me ha decepcionado nada. Como siempre, he de decir, que la edición de Impedimenta es impecable, nada más verlo en la biblioteca se me pegó a las manos. Volviendo a la novela en sí, esta se divide en dos partes, una primera en la que nos narra la historia de Kate, una joven feliz y despreocupada, que ha sido siempre educada entre algodones para que no conozca los "males del mundo". Kate va a casarse con Denis Peyton, guapo y de buena familia. Todo parece perfecto, hasta que Kate descubre por azar un oscuro secreto en Denis, una forma de ser y de actuar que no cuadra con la imagen idílica que Kate tiene de él, y que le hace replantearse su amor por él. Con esa actitud, descubre la hipocresía de la sociedad en la que vive, que apoya siempre al más fuerte en detrimento del más débil, que prefiere mirar hacia otro lado. En la segunda parte, Kate, siendo ya la señora de Denis Peyton, tiene que luchar de nuevo contra ese lado oscuro que ella adivina ha pasado del padre a su hijo Dick, al que idolatra con una pasión que raya la obsesión, erigiéndose en guardiana de su moralidad.

Edith Wharton

La novela es bastante breve y nos lleva directamente a los momentos de conflicto, no se anda por las ramas y nos presenta los momentos en que Kate se enfrenta a ese lado oscuro que parece vivir en los hombres de su familia. Los valores éticos, la moral o la inmoralidad, el fin justifica los medios, son los ejes en torno a los que se desarrolla esta novela. ¿Es aprovechar la desgracia ajena, coger la oportunidad al vuelo para mejorar socialmente, válido? ¿Lo es aunque lo único que se deje en el camino sea la honestidad y la buena conciencia? Wharton no enjuicia a sus personajes, los muestra tal cual, cómo hablan, cómo actúan. De hecho, la propia Kate, que se erige a sí misma como guardiana de la moralidad de su marido y su hijo, tiene momentos en que muestra que ella también puede ser cobarde, egoísta y contradictoria con lo que predica. Se trata de un personaje con muchos matices, en cierto modo comprendemos a la joven Kate, hija de su época, una mujer educada para casarse, viviendo siempre entre comodidades y sin preocuparse por la vida real y cruda, que se enfrenta por primera vez a todo aquello que le han ocultado. Sin embargo, en la Kate adulta no deja de haber cierta hipocresía, en ese mirar hacia otro lado, en esa constante vigilancia de su hijo de madre posesiva y celosa, que no admite que otra mujer pueda pasar a ser el eje que hasta el momento era ella de su hijo.

Alfred Stieglitz, Two towers-New York (1903)

Es esta una de esas novelas en las que en pocas páginas se tratan muchos temas trascendentales y se abren muchos interrogantes ¿cómo hubiera actuado yo? ¿Son los buenos tan buenos, los malos realmente lo son? El dinero, el poder, la presión de la sociedad que nos empuja muchas veces a hacer cosas que no queremos solo porque nos sentimos obligados a hacerlas, siguen tan vigentes hoy en día, que la novela puede situarse a principios del siglo XX o ahora mismo, el fondo de la cuestión es el mismo ¿Hasta dónde estamos dispuestos a llegar para lograr nuestro pedazo de felicidad? Por otro lado, los temas propios de la época, la mujer siempre en un segundo plano, tras el marido primero, tras el hijo después, viendo que sus opiniones solo pueden tener valor en el hogar e intrigando, nunca abiertamente como un miembro más de la sociedad, aunque su inteligencia sea igual o mayor que la de los hombres que dirigen todo. El estilo me ha recordado muchísimo al de Henry James, del que la escritora fue amiga y discípula. Santuario, publicada por primera vez en 1903, es una rarísima novela de la primera época de Edith Wharton, inédita hasta esta edición en español, que os recomiendo no dejéis pasar.

*** Espero que hayáis pasado todos unas felices fiestas y que os hayan dejado muchos regalos. Yo vuelvo de casa de mis padres con la maleta y la tripa más llenas. Ahora toca preparar la Nochevieja y los regalos de los Reyes. ¿Lo he dicho ya? ¡Me encanta la Navidad!

'We Wishlist a Merry Xmas': mi lista de deseos en Fnac

2011-12-23T15:00:00.000+01:00

Un año más Fnac propone su concurso por un lado para blogueros y por otro para usuarios de Facebook: We Whislist a Merry Xmas. El año pasado ya me apunté, aunque por desgracia no tocó nada, como la esperanza es lo último que se pierde, participo de nuevo cruzando los dedos a ver si este año hay más suerte. Tan sólo hay que publicar en el blog o en Facebook (depende de la modalidad que elijáis) una lista con los productos de la Fnac que os gustaría llevaros por Navidad, el premio es ni más ni menos que un vale por valor de 2.012 euros para gastar en lo que queráis. Vamos, un regalazo navideño. Os dejo aquí las bases para el concurso de bloggers por si os animáis a participar. Este año hay un poco de todo en mi lista, aunque es verdad que aprovechando lo suculento del premio, me he tirado mucho a lo tecnológico. Esta es mi Whislist de este año:

FOTOGRAFÍA

Nikon D5100 + 18-55 + 55-200 VR Kit Cámara Réflex (949 euros)

NETBOOK

HP Mini 210-3000SS Netbook 10,1" (339,95 euros)

ALTAVOZ

Sony SRSBTV25B Altavoz iPod / iPhone Bluetooth (149 euros)

MÚSICA

The Rolling Stones 1964-1969 (Edición vinilo remasterizada Super Deluxe) (249,99 euros)

Beatles In Mono (Box Set Edición Limitada) (179,99 euros)

LIBROS

Pack la novela de Genji. Esplendor. Catastrofe (26,90 euros)

La juguetería errante Edmund Crispin (22,20 euros)

Estuche Las mil y una noches (2 Vol) (21 euros)

1Q84 Pack Vol 1, 2 y 3 Haruki Murakami (48 euros)

Todo oscuro, sin estrellas Stephen King (22,90 euros)

El caminante Natsume Soseki (24 euros)

¡Feliz Navidad!

'El Palacio de la Luna' de Paul Auster

2011-12-21T10:00:00.003+01:00

Título: El Palacio de la Luna (Moon Palace)

Autor: Paul Auster

Editorial: Biblioteca Anagrama (2009)

Año de publicación: 1989

Páginas: 310

Mi primer encuentro con Paul Auster no pudo ser mejor, ya había visto las geniales películas Smoke y Blue on the Face, y mi primera novela de este autor fue El país de las últimas cosas a la que le siguió Leviatán, ambas siguen siendo mis favoritas del escritor norteamericano. Después de unos libros tan increíbles, que me trasladaron literalmente dentro del libro, le siguió una fiebre total austeriana por la que en poco tiempo leí La música del azar, Mr. Vértigo y El libro de las ilusiones que seguían fascinándome. Sin embargo, de repente, y sin previo aviso, La trilogía de Nueva York, La noche del oráculo, Brooklyn follies, Viajes por el scriptorium y Un hombre en la oscuridad, me hicieron perder la fe en él. Ya veis que me costó renunciar a este escritor, he leído prácticamente todo lo que ha escrito y pese a las decepciones, nunca he terminado de rendirme con él, siempre he pensado que volvería aquel Auster que me enamoró con sus historias. Esta última tanda de libros me pareció repetitiva, cada vez más igual, tan achacosa y acabada como sus personajes de viejos sin futuro. He tardado mucho en volver a coger una obra de Auster, años, de hecho, le había dado por perdido, y aún así me he animado con un libro más suyo, con El Palacio de la Luna, publicado en 1989 cuando Auster aún era aquel maravilloso Auster del que me enamoré. Y aunque me ha gustado, he de decir que creo que ese Auster ya no volverá a mí, algo se ha roto en nuestra conexión autor-lectora.

Saul Leiter, Red Umbrella (1957)

El Palacio de la Luna, aunque tiene varios escenarios espaciales y temporales, nos sitúa principalmente en el Nueva York de los años 60: "Fue el verano en que el hombre pisó por primera vez la luna", comienza la novela, y de hecho, la luna estará continuamente presente en el relato de forma figurada o real, a lo largo de la continua huida hacia delante del protagonista, M.S. Fogg, un joven en busca de su identidad, ya sea como estudiante universitario, como mendigo en Central Park, conviviendo con la pequeña Kitty Wu o trabajando para el excéntrico señor Effing. M.S. Fogg es un personaje cien por cien austeriano, lleno de contradicciones, dejándose llevar por los acontecimientos, comienzan los relatos dentro del relato, como si abriéramos una caja y encontráramos otra en su interior, que alberga una nueva caja. Todas esas historias, aparentemente sin relación, van tejiéndose entre sí hasta encontrarse y tocarse puntos que en principio deberían estar alejados. Gracias a la entrada de LilVia en su blog he descubierto además que Auster se vale de personajes y escenarios reales que ensambla a la perfección en sus novelas con sus creaciones de ficción, creando así un mundo paralelo al nuestro en el que ambos, reales e imaginados, conviven.

Saul Leiter, Taxi (1957)

El libro, en general, me ha gustado, Auster es un gran contador de historias, como comentaba en twitter donde hemos hecho lectura conjunta, es como si te sentaras en la barra de un bar con un amigo parlanchín un poco pasado de copas, es divertido, es ágil, su prosa nos lleva por donde quiere, sus historias son únicas, llenas de azar, de encuentros y desencuentros, de reencuentros, de casualidades que no lo son tanto, sus relatos están llenos de magia. Auster consigue construir un mundo muy sencillo y complejo a la vez, plagado de personajes inolvidables como el tío Víctor, Kitty Wu, el señor Effing, Zimmer o Barber, personajes que se mueven entre lo real y lo irreal, con historias increíbles detrás que permitirían desarrollar un nuevo libro para cada uno de ellos. Pero como digo, esa gran magia, ese flechazo que tuve con los primeros libros que leí de él no ha vuelto a suceder. Puede ser saturación; (aunque lo dudo porque llevaba tiempo sin leer nada suyo) puede que ya no pueda encandilarme con más historias, como un viejo narrador parece que ha agotado ya todos sus trucos conmigo, me los conozco demasiado bien, resultan repetitivos, y cuando intenta algo nuevo, nunca está a la altura de lo que hizo antes. Quizá le exija demasiado a Auster, esta entrada no es para desanimaros a la hora de leer El palacio de la luna, leedlo, por favor, es un libro único y lleno de magia, os gustará, pero es que creo que a mí con Auster me ha pasado como cuando te desenamoras de una persona, ya no hay vuelta atrás.

Saul Leiter, Walk with Soames (1958)

Buscando imágenes con las que ilustrar la entrada, me topé con el magnífico fotógrafo estadounidense Saul Leiter, al primer vistazo, sus fotografías me cautivaron y supe al instante que encajarían a la perfección con el mundo un tanto onírico de El palacio de la Luna. Quizá no sean las imágenes más representativas de Nueva York, pero si son las imágenes de la ciudad que veo en mi mente al leer a Auster. Como ya os he comentado más arriba, hemos hecho lectura conjunta de este libro (si queréis apuntaros a cualquiera de las lecturas conjuntas que hacemos tan sólo tenéis que ir a la página Café literario en Facebook o en twitter a través de nuestros perfiles), así que si queréis saber qué opinión les ha merecido este libro a mis compañeras de lectura, tan solo tenéis que seguir los enlaces a sus respectivos blogs donde irán publicando las reseñas.

El blog de Lahierbaroja
libro-génica
Leer sin prisa
LilVia

Red Hot Chili Peppers abarrotan el Palacio de Deportes de Madrid demostrando que siguen en buena forma

2011-12-19T11:08:00.001+01:00

Pasa siempre igual, esperas con ansiedad que llegue determinado momento, la espera se hace interminable, y luego, ¡pum!, cuando quieres darte cuenta ya ha pasado todo en un suspiro. Es lo que me ha sucedido con el concierto de este sábado de Red Hot Chili Peppers en el Palacio de Deportes de Madrid. Compré las entradas antes del verano (tuve una suerte y una rapidez increíbles ya que se agotaron en cuestión de horas) y desde entonces llevaba esperando impacientemente poder verles por primera vez en directo. El sábado llegó y pasó en un pestañeo, y es que he de decir que fue un conciertazo, de esos en los que no puedes parar de bailar, saltar y berrear. Diversión pura y dura, y encima, de la mano de un grupo hiperveterano y que domina el escenario a la perfección. RHCP me retrotrajeron a los 90, aún recuerdo el momento en que salió su popularísimo disco Blood Sugar Sex Magik, y me hice con él. Me acuerdo porque entonces tendría unos 13-14 años, compraba mis primeros CD, veía con pasión religiosa la MTV a todas horas y comenzaba a salir. RHCP fueron la banda sonora de toda una generación, estaban por todas partes, Give it Away era indispensable en cualquier bar rockero o alternativo que se preciara, sin un descontrolado pogo de los RHCP, la noche no había tenido sentido. Os pongo en antecedentes para que veáis que además de por la música, este concierto tenía para mí un gran valor sentimental. Para abrir boca pudimos ver a los teloneros, los británicos Foals, que sin ser una revelación tienen ese sonido divertido y resultón del rock indie actual. Sonaron potentes y convincentes, así que investigaré un poco más sus canciones, a la espera de que vengan de nuevo en solitario.

Y a lo que vamos, los Red Hot, 18.000 personas dispuestas a disfrutar, entrega de público total. Salieron, vieron y vencieron, tanto con los temas clásicos que hacían que el Palacio de Deportes estuviera a punto de venirse abajo: Californication, Under the Bridge, By the way, Give it Away o una que no esperaba y me hizo mucha ilusión escuchar, la preciosa Breaking the girl; como con los del nuevo álbum I'm with you que está recibiendo unas injustas críticas. Personalmente creo que es muy buen disco, y que no tienen razón quienes critican que con este álbum se han rendido a lo comercial. Red Hot Chili Peppers siempre han sido un grupo a medio camino entre lo innovador y lo comercial. De hecho, recuerdo cuando salió el célebre Blood Sugar Sex Magik, tan celebrado y añorado ahora por los fans, y cómo en su momento leí una crítica en la que se decía que mezclaban "música para amas de casa", muy comercial, con canciones más cañeras. Lo mismo pasó con el imprescindible Californication o con By the way, discos que tienen canciones para todos los gustos y edades. Es su seña de identidad, y en I'm with you hay grandes canciones, os lo aseguro.

Fui al concierto con algo de miedo por lo que podía encontrar, ya que había estado leyendo críticas de su actuación en el Palau Sant Jordi de Barcelona, en las que por ejemplo se criticaba muchísimo al nuevo guitarrista Josh Klinghoffer, sustituto de John Frusciante quien ha abandonado al grupo. Bien, sin ser un gran guitarrista, y reconociendo que en algunos momentos simplemente no llegaba con su guitarra, hay que recordar que RHCP no son un grupo que se caracterice por su guitarra, nunca lo ha sido, ni de grandes solos ni de punteos espectaculares. Más me hubiese dolido perderme al increíble Flea, tan loco como siempre, pero tan genial como siempre también. Una demostración de que el tan denostado bajo en el rock puede dar mucho de sí, y no ser la mera base rítmica de un grupo: solos de bajo, punteos espectaculares y mucha, muchísima caña. Sobresalientes también el potente batería Chad Smith y la increíble voz de Anthony Kiedis. Y en general, asombroso cómo se conservan estos cincuentones que saltan, bailan, o incluso caminan con las manos (Flea) como si fueran adolescentes. Para mí fue una noche espectacular, hora y media de concierto bien pagado, un grupo ya clásico e imprescindible con el que he disfrutado tanto como cuando compraba mis primeros discos.

** EDITO: Se me había olvidado algo muy importante. Sé que con la velocidad con la que volaron las entradas mucha gente se ha quedado con las ganas de poder verles en directo, algo que tiene solución. Red Hot Chili Peppers han confirmado que volverán el 7 de julio a Madrid, será en el marco del festival Rock in Rio, del que se han comenzado ya a vender las entradas, tenéis toda la información aquí.

Museo ABC: otra Blancanieves, personajes animados de Japón e ilustraciones de moda del París de los años 30

2011-12-16T17:54:00.000+01:00

Hoy os traigo tres exposiciones que pueden verse ahora mismo en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración, dos de ellas muy originales y que me han gustado mucho, y una tercera que menos, pero que creo que a algunos os puede interesar. La primera de ellas es la preciosa La caja secreta de Snowhite basada en el libro homónimo de Ana Juan, en el que la autora hace una libre interpretación del cuento de Blancanieves de los hermanos Grimm.

La muestra supone una recreación del mundo oscuro de Snowhite (que, por cierto, me ha recordado mucho a Tim Burton): una caja de madera de edición limitada con objetos personales de la protagonista; un cuaderno de bocetos; figuras interactivas colgadas del techo que podemos mover con hilos; figuras tridimensionales; cajas mágicas; o una casita creada con el más mínimo detalle.

Con la excusa del hallazgo de una caja escondida hace tiempo en el jardín de la mansión, Ana Juan nos cuenta la historia de Snowhite, hija de Lord Hawthorn y de su primera esposa, quien desapareció siendo una niña en extrañas circunstancias.

La ilustradora valenciana Ana Juan inició su carrera ilustrando revistas que caracterizaron la época de la transición, como Madriz, La Luna o El Víbora. Posteriormente colaboraría con El País, El Mundo, Elle, Woman, Time Magazine o Boston Globe. Además, ha publicado numerosos libros ilustrados como Snowhite, Demeter y Wackfield. Actualmente es colaboradora de The New Yorker, y ha sido galardonada con innumerables premios en el mundo de la ilustración y el diseño gráfico, como el Premio Nacional de Ilustración en 2010 o la medalla de oro de la Society of Newspaper Design. La muestra puede verse hasta el 15 de enero.

Foto: Museo ABC

Me imagino que muchos de vosotros habréis crecido, como yo, con los personajes animados japoneses. Si es así os encantará Japón, paraíso de los personajes animados, que nos retrotrae a nuestra infancia o no tanto (yo tengo ahora mismo algunas cosas de Hello Kitty, uno de mis personajes animados favoritos). En colaboración con la Fundación Japón y Casa Asia, se ha organizado esta exposición que muestra que, si esas figuras han sido importantes para nosotros, han sido decisivas en Japón, donde son auténticos iconos que pueden encontrarse por doquier, desde la decoración al completo de una casa, hasta hombres de negocios que consiguen evadirse de su día a día con esas figuritas y personajes que les recuerdan tiempos más felices de su infancia, pasando por adolescentes que llevan un auténtico arsenal de objetos con la imagen de su personaje favorito. Desde los años 50 a la actualidad se hace un repaso a algunos de los personajes más populares: Astroboy, Ultraman, Hello Kitty, Monchhichi, Mazinger z, Doraemon, Tamagotchi o Pokemon. Podéis verla hasta el 8 de enero.

Dejo para el final la que menos me ha interesado, aunque es meramente por una cuestión de gusto personal, porque, aunque soy una adicta a comprar ropa, el mundo de la moda en sí me deja bastante indiferente, en especial el de la alta costura. Personalmente, no entiendo que la ropa pueda ser elevada a la categoría de arte (la muestra de Yves Saint Laurent en la Fundación Mapfre me pareció aburridísima), y que puedan pagarse cifras escandalosas por un bolso o unos zapatos, la verdad es que no me entra en la cabeza. En mi caso, esta muestra no me ha interesado lo más mínimo, aunque reconozco que los dibujos son muy bonitos, no es un tema que me interese especialmente. Además, la afiliación franquista del ilustrador no es que haya ayudado precisamente a que me guste. La elegancia del dibujo. Crónica de París de Carlos Sáenz de Tejada nos muestra carteles e ilustraciones que reflejan el París de los años 30 a través de la moda, la alta costura y las clases más pudientes de la sociedad. Es la primera vez que se muestran estos más de 300 dibujos de moda que el ilustrador Carlos Sáenz de Tejada realizó en París en la década de los años 30. Nacido en Tánger, fue un pintor, cartelista e ilustrador español, cuyos dibujos fueron un referente iconográfico del bando nacional en la Guerra Civil Española, ya que trabajó en el Servicio de Prensa y Propaganda franquista, algunos dibujos suyos ilustraron libros franquistas, y posteriormente siguió trabajando para las publicaciones de las Delegaciones de Prensa y Propaganda del régimen. Además, adoptó un estilo de épica naturalista de estética fascista con la que decoraría murales en edificios públicos, en el Valle de los Caídos y en la Universidad Complutense de Madrid. La muestra puede verse hasta el 26 de febrero. La entrada al Museo ABC de Dibujo e Ilustración (calle Amaniel, 29-31 / Metro Noviciado) es gratuita con horario de martes a sábado de 11 a 20 horas y los domingos de 10 a 14 horas.

*** Las imágenes de la muestra La caja secreta de Snowhite han sido tomadas por mí.

'El baile' de Irène Némirovsky

2011-12-14T12:00:00.001+01:00

Título: El baile (Le Bal)

Autor: Irène Némirovsky

Editorial: Salamandra (2006)

Año de publicación: 1930

Páginas: 96
Precio: 10,50 euros

Me encantan los libros breves, pero intensos, que pueden leerse de una sentada en una tarde ociosa como hice con El baile de Irène Némirovsky. Me gustan este tipo de libros que no consiguen despegarse de las manos, una vez comenzado ya no se puede, ni se quiere dejar de leer. Me apasionan este tipo de obras que quedan en la memoria, que a pesar de haberlas terminado hace unos días, seguimos rumiándolas. Este tipo de libros me recuerdan por qué me gusta tanto leer, por qué un libro, una mantita y una taza de té siguen siendo el mejor de los planes. Irène escribió esta breve obra con 27 años, en una especie de desahogo por su propia infancia solitaria, con un padre banquero siempre en el trabajo y una madre desinteresada por su hija, siendo educada por una niñera francesa. El baile es un retrato de personajes certero y agudísimo, nos recuerda la crueldad tan inmensa que albergan niños y adolescentes, y cómo el relevo generacional siempre ha de llegar a través de un acto violento, ya sea meramente con las palabras o, como en este caso, a través de una acción espontánea pero decidida.

Irène junto a sus dos hijas

La novela nos sitúa en París, en una lujosa vivienda habitada por los Kampf, una familia de nuevos ricos que ha conseguido muchísimo dinero gracias a la bolsa. Sin embargo, no pueden ocultar su origen humilde: su forma de hablar, su ansiedad por entrar en los círculos de la alta sociedad, su ostentación, la misma decoración de la casa, los delatan como los nuevos ricos que son. Para poder entrar a formar parte de la élite de la sociedad parisina, deciden dar un baile para 200 personas en el que no escatimaran en oros, lentejuelas, ostras, foie gras y todo lo que ellos consideran que es de postín. Sin embargo, en la sombra se encuentra su hija Antoinette. Ignorada por sus padres, la jovencita de 14 años quiere asistir a ese baile, bailar, flirtear con hombres, pasar en definitiva de niña a mujer. Su madre se lo prohibe tajantemente: "Que sepas, niña, que apenas he empezado a vivir yo ¿me oyes?, yo, y que no tengo intención de preocuparme tan pronto por una hija casadera..." La reacción espontánea y fruto de un arrebato de cólera de Antoinette será la venganza, una venganza que va más allá de lo que podría haber imaginado, una venganza que hace que el muro y la máscara que existía entre su madre, dominante y egoísta, y ella caiga, y la vea como es realmente, una mujer que comienza a tener sus primeras canas y arrugas, sus inseguridades, y que llora como una niña con una rabieta cuando no tiene lo que quiere. Antoinette tiene un secreto deseo por enfrentarse a su madre y vencerla, por pasar a la edad adulta y dar el cambio generacional. ¿Quién no recuerda haberse sentido como ella alguna vez cuando no nos dejaban hacer lo que queríamos?

"Sucios egoístas; soy yo la que quiere vivir, yo, yo; yo soy joven... Me están robando, me roban mi parte de felicidad en la tierra... ¡Oh! ¡Entrar en ese baile milagrosamente, y ser la más bella, la más deslumbrante, con los hombres a mis pies!"

Eso no quita que nuestros sentimientos hacia el personaje sean contradictorios, por un lado podemos entender a la niña que quiere crecer, por otro, no deja de asombrarnos y horrorizarnos su crueldad e insensibilidad hacia su madre.

Irène y Michel con sus dos hijas, Denis e Élisabeth

Irène Némirovsky es una excelente escritora con una prosa certera y adictiva a la vez. Por desgracia, su vida no fue todo lo feliz y tranquila que debiera haber sido. Tras huir con su familia de Rusia en 1918, escapando de la revolución rusa, se instalaron en Francia, donde Irène se casaría con Michel Epstein con quien tendría dos hijas, Denise y Élisabeth. A pesar de ser una escritora reconocida y con prestigio en los círculos literarios y de la sociedad francesa, el gobierno francés rechazó su petición de nacionalización por su condición de judía. A pesar de que toda su familia se convirtió al catolicismo, fueron víctima de las leyes antisemitas del gobierno de Vichy, con lo que Michel tuvo que dejar su trabajo y a Irène le prohibieron volver a publicar, además, como todos los demás judíos tuvieron que llevar la estrella amarilla identificativa. En 1942 Irène fue arrestada e internada en el campo de Phitiviers de donde sería deportada a Auschwitz donde murió de tifus apenas un mes después de su arresto A pesar de que su marido lo intentó todo para lograr su liberación, fue inútil, y él mismo fue arrestado y deportado a Auschwitz donde fue asesinado en la cámara de gas tres meses después de la muerte de su mujer. Sus hijas, sin embargo, lograron sobrevivir escondidas por amigos de la familia. Ellas guardaron durante todo ese tiempo los manuscritos inéditos de su madre, entre ellos Suite Francesa, inacabada al haber sido deportada antes de poder terminarla. Esta se publicó en 2004 recibiendo el Premio Renaudot a título póstumo. Una historia terriblemente triste que nos da la medida de la cantidad de vidas valiosas que se perdieron en esa época por la locura y la barbarie humana. Os invito a que conozcáis la obra de Irène Nemirovsky, una autora a día de hoy fundamental, que he tardado demasiado en conocer, pero de la que pienso leer pronto todo lo que caiga en mis manos.

De viaje a Dublín: una ciudad llena de literatura, música, cultura y mucho más...

2011-12-12T11:00:00.003+01:00

Molly Mallone

No tenía pensado tomarme un descanso tan largo, pero en el último momento surgió la oportunidad de hacer un viaje cortito, y no nos lo pensamos dos veces. Luego, he decidido aprovechar esta semana de puente para hacer un descanso algo más largo del blog, ya que llevaba tiempo sin oxigenarme de él y creo que a veces es bueno hacerlo. Llevaba años soñando con conocer Dublín y por fin he podido pasar unos días en la capital irlandesa y volver aún más enamorada de lo que me fui de su cultura. Hemos pasado muchísimo frío, eso sí, y la lluvia no ha dado descanso, eso, sumado a que anochecía apenas llegadas las 16.30-17.00, y que cerraban más o menos a esas horas todos los museos, han hecho que nos quedaran muchas cosas en el tintero. De todos modos, creo que ha sido un viaje bastante aprovechado. Como podréis imaginar os muestro tan solo una minimísima muestra de las fotografías que he tomado estos días, pero en líneas generales creo que representan muy bien lo que ha sido el viaje.

Oscar Wilde

Si había algo prioritario en mi visita era todo lo relacionado con los magníficos escritores irlandeses, muchas veces e injustamente confundidos entre la maraña de escritores anglosajones. Es increíble como una pequeña isla ha podido contener tanto genio. Además de los que ya conocía, me traigo muchísimos nombres nuevos que voy a buscar para devorar sus obras y que podréis ver pronto por aquí. El que no podía faltar era mi admiradísimo Oscar Wilde (no os perdáis El retrato de Dorian Gray o La importancia de llamarse Ernesto) del que fuimos a ver su estatua en Merrion Square y su casa natal enfrente que ahora alberga la Irish American University.

James Joyce

Otro imprescindible es James Joyce, después del esfuerzo que os podéis imaginar que supuso leerme el Ulises, ha sido un placer poder pasear por las calles que retrata y ver cómo la impronta del autor está presente en toda la ciudad. No podía faltar su estatua en las inmediaciones de O'Connell Street y la visita al James Joyce Centre, una preciosa casa del siglo XVIII donde podemos ver la puerta original rescatada de la demolición del edificio número 7 de Eccles Street, donde sitúa el autor la residencia de Leopold Bloom, el protagonista de Ulises.

Puerta número 7 de Eccles Street

Si no os animáis con el Ulises (recomiendo que se lea siempre una edición crítica, si no es imposible, la mía es la de Cátedra Letras Universales, muy bien explicada y con resúmenes de cada capítulo), algo comprensible por lo complicada que es esta obra, os animo a que leáis otras dos de sus obras, estás totalmente asequibles y magníficas ambas: Dublineses y Retrato del artista adolescente.

Dublin Writers Museum

La gran parada literaria, y uno de los lugares donde más he disfrutado, ha sido el Dublin Writers Museum, donde se hace un repaso a la vida y obra de la gran cantidad de excelentes escritores que ha dado Irlanda: los ya nombrados James Joyce u Oscar Wilde, Jonathan Swift, William Butler Yeats, Bernard Shaw, Samuel Beckett (imprescindible su Esperando a Godott, magnífica obra tanto leída como puesta en escena), Thomas Moore, Maria Edgeworth... Un larguísimo etcétera que se detiene también en la enorme cantidad de escritores infantiles que ha dado este país, uno de los más conocidos C.S. Lewis autor de las Crónicas de Narnia, pero también los cuentos de Oscar Wilde o las innumerables historias de hadas o de leprechaun, esos duendecillos que guardan un caldero lleno de oro al final del arco iris.

Libro de Samuel Lover

En el Museo podemos admirar desde primeras ediciones, hasta manuscritos escritos por los autores, objetos personales... Podéis imaginar lo muchísimo que disfruté aquí y lo muchísimo que me demoré en cada sala. La propia casa que alberga el Museo merece una visita por sí sola, se trata de un precioso edificio del que podemos visitar sus habitaciones cuidadosamente decoradas.

En la zona de Temple Bar: "Feed your head, read" (Alimenta tu mente, lee)

Pero si hay algo que me ha entusiasmado realmente es el hincapié que hacen los irlandeses en sus escritores, por doquier hay referencias a estos, desde las mismas salas de espera del aeropuerto donde podemos leer fragmentos de diversas obras en enormes paneles, hasta cualquier rincón de la ciudad como este que os muestro cercano a la famosa zona de pubs de Temple Bar, incluso en las escaleras de los baños de un pub me encontré con un enorme graffiti con los retratos de varios escritores irlandeses. Otras visitas que hicimos fue la preciosa Chester Beatty Library, una librería que contiene en su interior una importante galería de arte oriental obra del coleccionista Alfred Chester Beatty; y la Marsh's Library, una biblioteca que se conserva tal y como se construyó en el siglo XVIII.

Saint Patrick

No podía faltar nuestra visita a la magnífica catedral de Saint Patrick, fundada en 1192. En ella se encuentra la tumba del escritor Jonathan Swift junto a la de su amada Stella, así como las tumbas de otros personajes importantes de la vida de la ciudad. El interior es impresionante, con estandartes antiguos colgando en jirones del techo y zonas conmemorativas a los caídos en las distintas guerras en las que ha participado Irlanda, entre ellas las dos guerras mundiales.

Cementerio de la catedral de Saint Patrick

Otras iglesias que vimos fueron la Christ Church Cathedral, el edificio de piedra más antiguo de la ciudad, legado de los normandos, fundada por el rey escandinavo Sitric Silkenbeard en 1038.

Christ Church Cathedral

También vimos la Findlater's Church, una iglesia construida en 1860 en estilo nuevo gótico para la creciente congregación presbiteriana de la ciudad, y financiada por un comerciante de la ciudad, Alexander Findlater, de quien tomó su nombre el edificio. La iglesia es popular por haber aparecido en un par de novelas de James Joyce.

Findlater's Church

El Dublin Castle, que fue sede el dominio inglés durante más de 700 años, se utiliza actualmente para reuniones de Estado. Se alza sobre un asentamiento vikingo, cuyos restos pueden visitarse también. Se encuentra en la esquina sudeste de la antigua ciudad normanda amurallada conocida como laguna negra o dubh linn, de donde derivó el actual Dublín. Lo interesante del castillo es la visita guiada que se hace en la que además de explicarnos el origen y posterior historia del edificio, conocemos interesantes datos de la historia irlandesa, tanto durante la ocupación inglesa, como con su posterior independencia. Hay visitas guiadas en varios idiomas, aunque si se puede, lo mejor es hacerla en inglés. Nosotros la hicimos así y pudimos entrar los primeros sin tener que esperar. El inglés que hablan los irlandeses es muy claro y con un nivel medio-alto se entiende todo a la perfección, aunque estas visitas estén pensadas para angloparlantes.

Dublin Castle

No podía faltar una visita un poco más ligera a la Guiness Storehouse, la fábrica de la popular cerveza Guiness. Además de explicarnos el procedimiento de fabricación de la cerveza, que su característico color negro se debe a la utilización de cebada en su preparación, o la importancia social y económica que ha tenido, al final de la visita se puede tomar una pinta de Guiness en la parte alta del edificio, en el Gravity Bar, donde hay unas vistas espectaculares de Dublín, gracias a que se trata de una sala circular situada a gran altura con las paredes totalmente cubiertas por cristal.

En el exterior de la Guiness Storehouse

Una de las mejores visitas fue la del Trinity College, la famosa Universidad de Dublín por la que pasaron la inmensa mayoría de sus célebres escritores y personajes ilustres. El campus es precioso, un pequeño oasis dentro de la ciudad, pero lo más impresionante es su preciosa biblioteca de forma abovedada, donde tienen una gran cantidad de libros de valor incalculable desde el suelo hasta el techo. No se podían hacer fotografías en el interior, por lo que si queréis verla, os enlazo a esta imagen. Allí también podemos ver el libro de Kells un antiquísimo evangelio, así como una importante colección de manuscritos medievales.

Trinity College

A Irlanda se la conoce como la isla esmeralda por lo verde que es, aún así sobrecoge verlo por uno mismo, el verde es el más verde que hayáis podido ver jamás, en las imágenes por desgracia no se aprecia, es tal el color que parece incluso artificial, un color realmente precioso y que encontraréis por doquier, porque otra cosa que les gusta y respetan los irlandeses es la naturaleza.

St. Stephen's Green

Todo está limpísimo, los animales van tan tranquilos por los parques y siempre hemos visto a alguien dándole migas de pan a los pájaros. Estuvimos en el precioso St. Stephen's Green, que antiguamente era un territorio comunitario donde tenían lugar los ahorcamientos y que ahora es un precioso y verdísimo parque con patos y cisnes además de, como no, estatuas de ilustres escritores y personajes irlandeses. Es un placer poder pasear por él aunque, en nuestro caso, llovía bastante, pero si queremos verde y unos parques tan maravillosos, la lluvia es un ingrediente imprescindible en la ecuación.

St. Stephen's Green

¿Y qué otra cosa además de la literatura podía encantarme de esta ciudad? Pues sí, la música. De nuevo, una pequeña isla ha tenido grandes genios en este terreno, conocidísimos son U2 (que no paran de sonar en todos los pubs), Van Morrison, Sinead O'Connor, The Corrs, o los grupos de música celta The Chieftains o The Dubliners. Me quedo con Thin Lizzy y su cantante Phil Lynott. No os imagináis la ilusión que nos hizo encontrarnos con una estatua de él que no sabíamos que existía, ¡nos hicimos hasta cuatro fotos en ella! Thin Lizzy quizá no sea tan conocido por todo el público en España, pero en Irlanda son toda una institución, se escuchan continuamente en los pubs, sus discos están bien visibles en las tiendas de música, y hay imágenes de Phil Lynott por todos lados.

Phil Lynott, cantante, bajista y compositor de Thin Lizzy

Nos encantó ver este muro en una de las calles de Temple Bar, donde se refleja la gran riqueza musical de Irlanda. Y ahora que me doy cuenta, aún no os he hablado de Temple Bar. En Dublín estos días apenas llegadas las 16.30 de la tarde anochecía, con un frío espantoso y venga a llover, con todos los museos cerrados a partir de las 17 horas, ¿cuál era la mejor opción? Pues hacer lo que hacen los autóctonos, que siempre es la mejor idea: irnos de pubs a Temple Bar. Esta es una céntrica zona que toma su nombre de un aristócrata angloirlandés, William Temple, quien fue propietario de los terrenos en el siglo XVII.

Temple Bar

Esta zona peatonal está abarrotada de pubs con una estética cuidadísima y con actuaciones en directo todas las noches en todos ellos, un auténtico lujo, con lo que me gusta la música podéis imaginar lo que ha supuesto para mí poder ir hasta a cinco o seis conciertos diferentes en una misma noche tan solo cambiando de pub. Y es que estos son gratuitos y a diferencia de lo que sucede muchas veces en España la gente está entregadísima, bailan y cantan las canciones (suelen ser un par de guitarristas o guitarra y bajo en acústico que tocan versiones de canciones conocidísimas). Que presumimos mucho en España de que tenemos la mejor juerga nocturna, pero a mí la de Dublín me ha parecido espectacular: música en directo todas las noches en todos los pubs (incluso el lunes), mucha animación, buena cerveza y gente animadísima.

Temple Bar

Podría estar horas y horas hablándoos de todo lo que hay que ver en Dublín y de lo muchísimo que he disfrutado en la ciudad, pero voy a ir terminando. Son muchas las cosas que visitar, y muchas se nos han quedado en el tintero, por lo que volveremos al país seguro. Uno de los paseos imprescindibles es O'Connell Street donde se encuentra la General Post Office donde se proclamó la República Irlandesa en 1916 y donde aún pueden verse los agujeros de bala en las columnas del pórtico. En esta calle también está el Monument of Light al que se conoce como The Spire (la aguja) con una impresionante altura de 120 metros. La ciudad se extiende a uno y otro lado del río Liffey, desde sus puentes hay unas preciosas vistas de la ciudad.

Río Liffey

La mezcla de pasado vikingo, celta y normando le da a Dublín un carácter muy personal. Algo con lo que me quedo es con lo impresionántemente amables, simpáticos y acogedores que son los irlandeses, nada que ver con los ingleses. En el Bed & Breakfast en el que nos alojamos todo fueron facilidades, en la calle, todo el mundo se paraba a ayudarnos con alguna dirección o duda, las visitas guiadas eran un gusto por lo simpatiquísimos que eran los guías. En especial el guía de la casa Number Twenty Nine, una visita obligada, fue encantador, contándonos constantemente anécdotas y chistes que hicieron la visita aún más divertida. Esta es una casa del siglo XVIII de estilo georgiano que se ha conservado íntegramente como era en la época para que podamos ver cómo era la vida de una familia de clase media-alta. Campanillas con distintos sonidos para que los criados acudieran a cada una de las salas de la casa, el cuarto del ama de llaves, los salones para recibir, los dormitorios de la familia o el cuarto de los niños son una delicia. Aunque se trate de épocas diferentes y de clases sociales diferentes, me ha recordado muchísimo a la serie británica Downton Abbey. También es buena idea darse una vuelta por la National Gallery donde hay una sala en exclusiva para los pintores irlandeses, muy poco o nada conocidos en España, y el resto de las salas con pintura de diversos países y donde es interesante ver obras de pintores británicos difíciles de ver en nuestro país.

La desventaja de ir a Dublín en diciembre ha sido el frío, la innegable ventaja ha sido ver la ciudad preciosamente decorada (allí no escatiman en decoración, las luces incluso las encienden mucho antes de que anochezca). El espíritu navideño está por todas partes, una época que sé que muchos odian, pero que a mí con los años cada vez me gusta más. Los escaparates y calles están decorados de una manera que no había visto jamás aquí. En una tienda de ropa, por ejemplo, representaban con maniquíes distintos ballets como El cascanueces o El lago de los cisnes. Otros eran más graciosos, como el del pavo que os dejo abajo que se movía en un baile muy loco e iba perdiendo las plumas.

En cuanto a la comida, la cosa ha ido mucho mejor de lo que esperaba, el Irish Stew (cordero asado en un lecho de puré de patata) estaba delicioso, también era excepcional la ternera irlandesa, y por supuesto, las patatas fritas son de categoría, caseras y deliciosas. Lo mejor es parar a comer o cenar en un pub, la comida está buenísima y son mucho más económicos que un restaurante. Y aunque hemos tirado mucho de sandwich para poder visitar mucho, éstos están bastante buenos y hay puestos donde comprarlos muy baratos. El té, obviamente, delicioso, pero el café, a diferencia de en Inglaterra está también muy bueno, la leche y lácteos en general son también muy buenos. Hay que probar el extraordinario café irlandés, soy muy fan de este tipo de café, incluso lo he preparado en más de una ocasión en casa, y hay que reconocer que el que hacen ellos es excelente, por no hablar de que hacer una parada para tomar uno con el frío que hace allí, consigue que recuperes las fuerzas de manera inmediata.

Para los golosos, malas o buenas noticias, según como se vea, porque hay dulces y pastelería por doquier, y lo presentan de una manera increíble como podéis ver en la foto de abajo, yo no caí, así que no os puedo decir qué tal está, pero todo tenía una pinta estupenda. Y por supuesto, hay que probar la Guiness que está increíblemente más buena que en España (es menos amarga), la Harp, la rubia irlandesa me ha gustado menos, era demasiado floja, como aguada. Tenéis de todos modos un montón de marcas en los pubs, y ante la duda se pueden beber pintas de la siempre socorrida Heineken.

Pero bueno, paro ya que me estaría todo el día, tan solo quiero recomendaros que si podéis visitéis esta magnífica ciudad, donde hay de todo: cultura y muchísima marcha nocturna. Me despido con la canción que ha sido la sintonía del viaje tanto en su versión tradicional como la que nos gusta a nosotros de Thin Lizzy, Whiskey in the jarr, y os deseo una feliz navidad en gaélico irlandés:

Nollaig shona duit

'Madre Noche' de Rachel Pollack

2011-12-02T10:00:00.002+01:00

Título: Madre Noche (Godmother Night)

Autor: Rachel Pollack

Editorial: Grupo Ajec (octubre 2011)

Año de publicación: 1996

Páginas:384
Precio: 18,95 euros

"Érase una vez dos mujeres que vivían sobre el lomo de una tortuga. Su casa se encontraba en el linde de una ciudad situada en la desembocadura de un río, allá donde el agua salada se adentraba en la tierra desde el mar."

Es una pena que con un comienzo tan bonito, con un arranque que engancha desde la primera palabra y que parece que va a sumergirnos en una fantástica historia, la novela se desbarate a las pocas páginas. Este es uno de esos libros que hubiera dejado en el primer capítulo, pero ya que es más o menos breve y que hemos hecho lectura conjunta de él, me he armado de paciencia y he seguido leyendo. A veces entre risas, otras incrédula, os puedo decir ya que Madre Noche es una lectura que no me ha gustado. Nada más terminarla os hubiera dicho que no me había gustado nada, ahora, pasados unos días, aunque sigo pensando que es bastante mala, creo que voy a ser menos dura con ella. Madre Noche nos cuenta la historia de Jaqe y Laurie dos chicas que un día se conocen por medio de una misteriosa mujer que se hace llamar Madre Noche, se enamoran y llevan adelante su historia de amor a pesar de que muchos las juzgan por ser lesbianas, entre ellos, los propios padres de Jaqe. Tendrán una hija, Kate, que pronto se adentrará en el mundo sobrenatural.

Bien, en principio la historia se supone que gira en torno al misterio de quién es esa mujer llamada Madre Noche, cuál es su poder y por qué está continuamente presente en las vidas de las tres mujeres. Lo malo es que el misterio es inexistente, a las pocas hojas se intuye ya quién es ella y realmente no hay misterio alguno, ni siquiera una trama definida, parece como si la autora se hubiese puesto un buen día a escribir sin tener muy claro qué quería contar. En una novela que ha sido la ganadora del Premio Mundial de Fantasía es sorprendente que el elemento fantástico sea casi inexistente, especialmente en la primera parte del mismo, donde los sueños son de los pocos elementos fuera de lo normal. La cosa se arregla con Kate niña, para mi gusto la mejor parte de la novela, en la que puede ver y hablar con los muertos y se producen algunas situaciones interesantes. Por último, la gran decepción es el destino de Kate, ya que está copiado de principio a fin del relato El ahijado de la muerte o La muerte madrina de los hermanos Grimm que podéis leer en este enlace, lo sé de buena tinta porque da la casualidad de que de pequeña me regalaron dos volúmenes de cuentos populares y en uno de ellos sale esta historia. Vamos, que elemento fantástico poco, y encima lo poco que hay y lo que podría resultar interesante del libro no es nada nuevo.

Pasamos al tema lésbico y feminista. En un primer momento se me hizo un poco raro, es el primer libro que leo de este tipo, aunque pronto se olvida que son dos chicas y vives la historia de amor como cualquier otra. Eso sí, a la autora le encanta regodearse en las escenas sexuales que a veces resultan un tanto cómicas y excesivas, pero es que además, todas, y digo todas las mujeres de la historia son lesbianas. ¿Pero cómo es eso posible? Me parece un absurdo. Es ahí donde toda esa parte de reivindicación de la homosexualidad y de la identidad personal se viene abajo. Algo que podía haber sido un punto muy positivo de la novela, la igualdad de todos independientemente de sus opciones sexuales y el respeto a los demás, se viene abajo desde el momento en que la autora, por boca de sus protagonistas, desprecia a todos los que no sean mujeres y más aún si no son lesbianas. Las propias protagonistas están llenas de prejuicios.

"Es por la clase en sí, Llena de todos esos heteros... recién casados. Y yuppies. No se cuáles son peores. Los recién casados son todo sonrisas y felicidad; y los yuppies, todo seriedad. Y todo lo hacen bien. Como si fueran los movimientos de su carrera profesional. Y todos son heteros. Y están casados. Ni siquiera los hay que simplemente vivan juntos ¿Te lo puedes creer?"

Rachel Pollack

La parte feminista es la que menos me ha gustado, y eso que yo siempre me he preciado de serlo, pero veo que no, que lo que yo consideraba ser feminista: luchar por la igualdad entre hombres y mujeres, pues somos iguales, y no creo en los tópicos sobre las diferencias entre hombres y mujeres, cada persona es individual y no se la puede agrupar solo por su sexo; veo que no es ese el concepto que tiene esta mujer. Para ella todo en el mundo son úteros y los hombres son poco menos que un mal dolor de cabeza que habría que cortar de raíz, una de ellas cursa Estudios de la Mujer, una asignatura en la que se habla de que las mujeres son el centro y el germen de todo. Por ejemplo, están estudiando una pintura rupestre en una cueva de la que la profesora dice que es "un útero gigante, un generador de energía femenina". Los hombres de esta novela cuando no son instrumentos de las mujeres o claramente idiotas, son unos depravados sexuales, todos los males de este mundo los causan los hombres. Como he comentado en alguna otra ocasión, yo no sé esta mujer, pero yo quiero a mi padre, a mi novio y a mis amigos de género masculino, creo que son grandes personas, inteligentes y con grandes sentimientos. También he conocido a mujeres que eran auténticas brujas, con una maldad dentro de sí increíble, vamos, que no creo en ese tópico de que las mujeres son toda bondad, dulzura y desprendimiento.

"Eso se llama ser  humano. Las mujeres son humanas, Los hombres pueden pensar continuamente  en ellos mismos, pero las mujeres no. Tenemos que poner por delante a  todos los demás."

En conclusión, poca fantasía, mucha reivindicación de la mujer y odio al hombre, y bastantes escenas lésbicas para caldear el ambiente. Una novela más que prescindible, que no cumple ni con el objetivo básico que ha de tener toda historia fantástica, que es entretener. Monótona, tediosa y sin ningún elemento que nos empuje a pasar una página más. Queda claro ¿no? No la recomiendo. Si queréis saber que opinan mis compañeros de la lectura conjunta organizada por LadyBoheme, os dejo a continuación los enlaces a sus blogs que iré actualizando a medida que vayan publicándose.

Torre de Babel
Cargada de Libros
El bosque del duende rojo
En un rincón de la estantería
Escaleras de papel
La Caverna Literaria
Leo, luego existo

'Melancholia' de Lars von Trier

2011-11-30T21:15:00.004+01:00

Lars von Trier es mi director de cine en activo favorito. A pesar de que como persona deja bastante que desear, como creador me parece un auténtico genio, con películas muy personales y diferentes, con argumentos sorprendentes que consiguen transmitirnos emociones hasta tal punto que realmente sufrimos y sentimos con sus films. No voy a convencer a nadie, sé que tiene muchos detractores, a los que no les haya gustado hasta ahora el cine del danés, Melancholia no va a gustarles. Sin ser su mejor film, es von Trier en estado puro, sentimientos a flor de piel que nos llegan con gran intensidad, con un final que nos golpea como un puñetazo en el estómago y nos deja boqueando durante varios días. Sí, si con Antichrist nos aterraba, con Melancholia consigue transmitirnos a la perfección ese sentimiento, la melancolía se apodera de nosotros incluso días después de haber visto la película. Lo pequeños que somos, lo inmenso que es el Universo, lo solos que estamos en él, lo poco que importamos, si un día la Tierra desapareciese no le importaría a nadie, de hecho, no sería ninguna tragedia, el Universo seguiría su curso como hasta ahora. Lars von Trier consigue con su película que nos demos cuenta de lo insignificantes que somos, nos transmite una tristeza llena de calma y reflexiva. Todo ello gracias también a una grandiosa Kirsten Dunst en el que quizá sea el papel de su carrera, una actuación que no parece actuación, realmente creemos en ella y en su personaje, sufrimos con ella y con otra inmensa, Charlotte Gainsbourg, increíble en Antichrist y perfecta de nuevo en Melancholia.

Dos voces, Justine y Claire, dos mujeres, dos hermanas que se enfrentan de manera diferente a la vida y a la muerte, una no quiere tener nada que perder, la otra lo puede perder todo. A través de ellas conocemos la historia en una primera y segunda parte, tal y como le gusta hacer al director, como si en vez de una película estuviésemos viendo una obra de teatro o leyendo los capítulos de un libro, o simplemente asistiendo a los dos actos de la vida. En un papel un poco más pequeño pero destacando igualmente, Kiefer Sutherland da la contrapartida como personaje masculino. Como curiosidad os diré que aparece en un papel en el que no destaca en exceso Alexander Skarsgård, el Eric Northman de True Blood, otro personaje masculino que será clave en la primera parte del film. Lars von Trier, además de una película muy bella y plagada de sentimientos e ideas, ha logrado dar un giro de 180 grados al cine de catástrofes hollywoodiense. En sus manos, la inminente colisión del planeta Melancholia, oculto durante mucho tiempo tras el Sol, con la Tierra no se convierte en una película de acción, de supervivencia o de héroes, sino de introspección y sentimientos. Si von Trier tiene una gran cualidad es la de que su cine sea lo más parecido a la realidad que podamos ver en una pantalla. A ello, le ha sumado en sus últimas películas escenas de gran belleza visual junto a una hermosísima banda sonora que, en un principio nos desconciertan, pero que cobran sentido al final del todo. Un final que arrasa con todo y con todos, un final que se nos lleva por delante también a nosotros, los espectadores.

'El mapa y el terrritorio' de Michel Houellebecq

2011-11-28T12:00:00.006+01:00

Título: El mapa y el territorio (La carte et le territoire)

Autor: Michel Houellebecq

Editorial: Anagrama (septiembre, 2011)

Año de publicación: 2010

Páginas: 384
Precio: 21,90 euros

A falta de unos días para entrar en diciembre puedo decir ya que El mapa y el territorio de Michel Houellebecq es uno de los mejores libros que he leído este año: intenso, con giros inesperados y una maestría, que no se ve ya mucho en la literatura actual, para jugar con las palabras y con nosotros, los lectores, llevándonos de un lado a otro casi casi a ciegas, tanteando el terreno y dejándonos llevar por la historia que teje Houellebecq.

Yasushi Okano

El autor recrea una biografía imaginaria (al estilo de las de Borges) de un artista que nunca existió pero que en manos de Houellebecq cobra vida, hasta tal punto que en ocasiones olvidamos su carácter imaginario y por un momento nos encontramos pensando que nos encantaría poder ver las obras de arte que nos describe y que crea el protagonista. Jed Martin, pintor, fotógrafo, vive en un pequeño piso de París donde hasta el calentador se niega a funcionar correctamente. Jed ni siquiera se considera a sí mismo un artista en el termino exacto de la palabra, de pronto se le ocurre una idea y trabaja incansablemente en ella, transcurrido un tiempo, abandona esa serie y se sume en un vacío que vuelve a llenarse cuando le llega otra oleada de inspiración. Es el caso de las enigmáticas fotografías de mapas de carreteras francesas de Michelín o la serie de oficios, óleos sobre artesanos en desaparición o personajes relevantes de la sociedad como Steve Jobs y Bill Gates o el propio Houellebecq que entra en escena como un personaje más. Porque Houellebecq no hace nada nuevo en esta novela: biografías sobre personajes que no han existido o la introducción del autor como un personaje más, pero lo hace de tal manera que renueva esas técnicas y les da un nuevo significado. Houellebecq a través de su personaje se autoflagela y llega a límites inimaginables.

Yasushi Okano

La novela nos presenta una vida, un suspiro en medio de la inmensidad del tiempo, un breve interludio en el que transcurre la vida de una persona. Al final no queda nada, ha sido un instante, una vida que apenas será recordada por una biografía y unas cuantas obras, y eso en el caso de un personaje que deje poso en la vida, el resto: su padre arquitecto adicto al trabajo, su amante la rusa Olga... quedarán seguramente en el olvido. Por mucho que nos relacionemos con los demás, estamos solos en este mundo. Houellebecq nos regala un tratado sobre arte, nos habla de la eutanasia, del deseo de morir y del deseo de vivir, del paso del tiempo, de la inevitabilidad de las cosas, de un ciclo que se renueva constantemente, de pérdidas, de errores, de constantes reencuentros consigo mismo. Aunque el estilo sea fluido, las ideas son continuas, es un libro en el que se podría estar pensando tiempo y tiempo. A pesar de que en general el ritmo es ágil, de vez en cuando la lectura se espesa con descripciones pormenorizadas como por ejemplo la de la vida y reproducción de las moscas, o conversaciones detalladas sobre arquitectura o arte. Son breves momentos, de hecho, la novela nos depara una pequeña sorpresa en forma de novela dentro de la novela, una historia inesperada, en forma de novela negra, que hace que todo vaya tomando forma para llevarnos a un final donde todas las piezas encajan, oímos el clic en nuestro cerebro y todo lo leído hasta el momento cobra sentido.

Michel Houellebeqc

El francés Michel Houellebeqc, de 55 años, se hizo con el prestigioso Premio Gongourt gracias a El mapa y el territorio. A pesar de ello, la obra ha estado envuelta en la polémica, ya que el autor reconoció que había tomado textos de la Wikipedia y los había insertado en su libro. Todo esto derivó en un debate sobre si era plagio o no que terminó con la novela colgada íntegramente en internet, ya que, al ser públicos los artículos de Wikipedia (licencia libre que dice que se pueden usar libremente pero sin lucro), su novela debía ser accesible a todo el mundo.

Yasushi Okano

Las imágenes que ilustran esta entrada son del fotógrafo japonés Yasushi Okano, a quien pertenece también la imagen que ilustra la portada del libro, sus fotografías llenas de poesía, enigmáticas, melancólicas, encajan a la perfección con la novela: "El triunfo de la vegetación es absoluto". Ha sido un inmenso placer compartir esta lectura con otros compañeros blogueros, si nos habéis seguido en twitter hemos estado comentando nuestras impresiones bajo el hastag #mapayterritorio. A continuación os dejo los enlaces de los blogs de mis compañeros en esta aventura, que iré actualizando a medida que se publiquen sus reseñas, para que podáis ver qué les ha parecido a ellos El mapa y el territorio.

- Leer sin prisa
- Libro_génica
- Viaje alrededor de una mesa

'Poemas dispersos' de Jack Kerouac

2011-11-25T09:00:00.000+01:00

Título: Poemas dispersos (Scattered Poems)

Autor: Jack Kerouac

Editorial: Visor de Poesía (1980)

Año de publicación: 1971

Páginas: 80
Precio: 10 euros

Jack Kerouac es esencialmente conocido por su faceta de novelista, en especial, por la increíble En el camino que si no habéis leído aún os animo a que lo hagáis cuanto antes, es un libro estupendo. Kerouac es uno de los miembros de la Generación Beat, de la que ya os he hablado aquí anteriormente, es de hecho, mi beat favorito, y me apetecía probar con su faceta de poeta. Poemas dispersos reune poemas publicados por el escritor en diferentes años y publicaciones, desde 1945 hasta 1970, así como de manuscritos inéditos. En sus poemas encontramos muchos elementos que aparecen en sus novelas: la carretera y el viaje tanto exterior como interior, la filosofía zen...

Morir es éxtasis.

No soy un maestro, ni un

Sabio, ni un Roshi, ni un

escritor o profesor, ni siquiera

un vagabundo del dharma risueño, soy

hijo de mi madre y mi madre

es el universo

(fragmento de Lucien Medianoche)

El libro incluye el texto Los orígenes del gozo en poesía del propio Kerouac, en el que nos desvela su visión de la poesía que hacían tanto él como sus compañeros de generación Allen Ginsberg o Gregory Corso como "una especie de nueva-vieja poesía lunática zen, escrita tal y como entra en la cabeza según va viniendo; poesía que regresa a su origen, al niño bardo, auténticamente ORAL como dijo Ferling, en vez de grises palabrerías académicas". Sin embargo, en su momento, la crítica no lo vio así, la Generación beat fue duramente criticada, ya que se consideraba que la poesía no podía tratar temas o personajes ordinarios del día a día (ellos hablaban de sexo, de los clubs de jazz, de drogas) ni utilizar el lenguaje coloquial que usaban con modismos y expresiones de la calle.

Y cuando me mostraste el puente de Brooklyn

por la mañana,

¡oh Dios!

Y la gente resbalando sobre el hielo de la calle,

dos veces,

dos personas diferentes

cruzan, yendo a trabajar,

tan dispuestas y confiadas, 

abrazando su piadoso 

Daily News mañanero

resbalan en el hielo y caen

ambas dentro de cinco minutos

y yo lloro, lloro

(fragmento de Himno)

La propia prosa de Kerouac está llena de poesía, de símbolos, con lo que no es de extrañar que en ambas haya una voz de fondo común. También dedica algunos poemas a compañeros suyos de generación como Allen Ginsberg, o a poetas como Baudelaire, o personajes como Harpo Marx. La ironía y el humor también están presentes en sus poemas, llenos de ácidos comentarios sarcásticos. Pero si hay algo que define su poesía es el lenguaje coloquial, los versos sencillos y una gran capacidad para observar lo que le rodea y plasmarlo en sus textos.

Y las luces de la sonora Washington St.

Tilín, mortecinas, pipar de opio y gongs de guerra,

Tong, el arroz y el juego de naipes -y

Tibet el tibet el tin tin tin tin

la comida china se hace en la cocina

Jazz 

(fragmento de Los patos aplastados)

Me han parecido también especialmente interesantes sus poemas tomados del ciclo San Francisco Blues. El blues formó parte esencial de la Generación beat, se tocaba en locales oscuros, casi clandestinos, en los peores barrios de las ciudades, era la llamada "música de negros" y por ello criticada por la sociedad más racista y conservadora de la época. El jazz y el blues aparecen constantemente como fondo de las obras de los beat.

chicas hacen
sombras sobre la
acera más breve
que la sombra
de la muerte
en esta ciudad-

(fragmento de San Francisco Blues)

Algo que no conocía de Kerouac son sus 'haikus occidentales', tal y como él los llama. Los haikus son pequeños poemas japoneses que con pocas palabras y en tres breves versos, contienen grandes ideas o imágenes sobre la vida. Kerouac adapta esto al inglés y a la vida occidental, y la verdad es que no le sale nada mal.

La luna tuvo

un bigote de gato

Durante un segundo.

Jack Kerouac

Jean-Louis Kerouac nació en Lowell (Massachusetts) en 1922 y falleció en St. Petersburg (Florida) en 1969. Entre sus novelas más importantes, además de la popular En el camino, escribió Los vagabundos del Dharma, Big Sur o Los subterráneos. Sus escritos reflejan su ansia por liberarse de los convencionalismos sociales de su época y buscar un sentido más profundo a la existencia, para ello, además de recurrir a las drogas y al alcohol, se sumergió e investigó la religión y la espiritualidad de oriente, en especial la zen. Su búsqueda de un sentido de la vida le llevó a viajar por toda Norteamérica, viajes que plasmaría en sus novelas. Quizá para un primer acercamiento a Kerouac lo mejor sea leer su obra cumbre En el camino, o la no menos extraordinaria Los vagabundos del Dharma, sin embargo, si os gusta tanto como a mí Kerouac y la Generación beat, o si, simplemente, queréis probar algo diferente, os recomiendo que leáis este breve pero intenso poemario.

Un recorrido por la exposición 'Marino Marini. Más allá de la escultura' en el Conde Duque

2011-11-23T10:30:00.000+01:00

Me encanta el nuevo rumbo que ha tomado el Conde Duque, en cuanto a exposiciones se refiere, desde las obras de rehabilitación. Hace tiempo os hablé de la maravillosa exposición escultórica de Cornelis Zitman en este mismo lugar, y ahora nos traen otra muestra de escultura y pintura del no menos extraordinario artista italiano Marino Marini.

La muestra ha sido itinerante, y ha podido verse ya en Santiago de Compostela, Vigo, Valladolid y Murcia, terminando en Madrid desde donde volverá al Museo Marino Marini de Florencia a donde pertenecen. En Madrid puede verse hasta el 19 de febrero de 2012 en la sala 3 de exposiciones del Conde Duque (calle Conde Duque, 9) de martes a sábado de 10.30 a 21 horas y domingos y festivos de 10.30 a 14 horas, con entrada gratuita.

Marino Marini nació en Pistoia en 1901 y murió en Milán en1980, está considerado uno de los mayores exponentes del arte moderno italiano del siglo XX, y ha influenciado poderosamente a muchos escultores de los siglos XX y XXI. Como podéis ver en la imagen superior, donde junto a los cuadros se reproduce una de sus citas "Yo no me inspiro en los etruscos, soy un etrusco", estuvo fuertemente influenciado por los etruscos, cuya cuna fue precisamente la Toscana donde nació el artista. En la muestra podemos admirar un total de setenta y cinco obras, en su mayor parte esculturas, aunque también pinturas y dibujos, a través de las cuales podemos ir viendo su evolución artística.

Sus pinturas están llenas de luz y color, y en ellas ya aparecen algunos de los temas que serían recurrentes en él a lo largo de los años: los caballos, jinetes, guerreros y las pomonas, la deidad etrusca símbolo de la fertilidad de la tierra. En el cuadro superior vemos otro de sus temas: el circo heredero de la tradición de la antigua Roma, con personajes en constante equilibrio.

Son especialmente bellos sus bustos, donde se puede ver claramente esa influencia etrusca de la que hablábamos antes. En vez de recurrir a la idealización propia del arte griego y posteriormente del romano, Marini se centra en el realismo, en el detalle que hace que esa persona sea claramente reconocible, como hacían los etruscos.

Ese gusto por representar a las personas tal y como son, sin embellecerlas, le trajo algún que otro problema, como con el pintor Marc Chagall, quien rompió totalmente su amistad con Marino tras ver el retrato que el artista había realizado de él y que podéis ver arriba.

Los caballos y jinetes son una de las obsesiones del artista, con ellos quiere representar esa unión entre el ser humano y el animal a lo largo de los siglos, cómo en lo más íntimo el ser humano no ha cambiado y sigue teniendo los mismo deseos y necesidades. En ellas el caballero muestra el coraje, el valor y la fuerza necesarias para dominar al caballo.

Con la serie Milagros representa el dramatismo asociado al final el ser humano, entregado a un destino trágico. En esta etapa su figuración se transforma en una ligera abstracción.

Sus estatuas de mujeres, influenciadas por las pomonas, la deidad etrusca símbolo de la fertilidad de la tierra, son una auténtica preciosidad. En ellas representa la feminidad, las amplias curvas y volúmenes asociadas a la fertilidad de la mujer y de la tierra.

Por último, impresionan e ilustran esa evolución de la que os hablaba, las obras realizadas a raíz del estallido de la Segunda Guerra Mundial, que marcó y afectó profundamente al artista. De hecho, su estudio fue destruido durante un bombardeo, por lo que no se pueden contabilizar todas las obras que realizó Marino a lo largo de su carrera. Las formas alcanzan una mayor abstracción, el jinete y el caballo se funden en una única figura y caen al vacío, metáfora sobre el fracaso y la decepción del hombre en el mundo moderno. Las figuras se distorsionan creando imágenes llenas de horror, de seres que han perdido su identidad.

Espero que hayáis disfrutado con el recorrido a esta exposición (todas las fotografías de esta entrada las he tomado yo misma), y que los que podáis os animéis a visitarla. Quizá algún día, por qué no, podamos ir al Museo dedicado a este artista en Florencia, de momento, tenéis más arriba el enlace para visitar la web del museo, donde podéis ver más obras del artista.

'Entre tonos de gris' de Ruta Sepetys

2011-11-21T11:00:00.000+01:00

Título: Entre tonos de gris (Between Shades of Gray)

Autor: Ruta Spetys

Editorial: Maeva (2011)

Año de publicación: 2011

Páginas: 288
Precio: 16,90 euros

"Me sacaron de casa en camisón. Si echo la vista atrás, me doy cuenta de que todas las señales de lo que iba a ocurrir estaban ahí: las fotos de familia ardiendo en la chimenea, mi madre cosiendo por las noches la plata y sus mejores joyas en el forro de su abrigo, y papá que no volvió del trabajo."

Así comienza Entre tonos de gris, y es Lina, una chica de quince años, quien nos cuenta la historia. Nos encontramos en 1941 en Lituania, la vida de Lina hasta el momento ha sido de lo más apacible: en el seno de una familia acomodada, rodeada del cariño de sus padres y de su hermano pequeño Jonás, prepara su ingreso en una prestigiosa escuela de arte, para seguir los pasos de su pintor preferido, Munch. Sin embargo, la invasión soviética a su país, rompe su mundo: su padre, un profesor universitario, ha desaparecido, y ella, junto a su madre y su hermano, son detenidos y deportados. A partir de este momento comenzará un infernal viaje hacinados en trenes, hacia campos de trabajos forzados en Rusia, llegando a Siberia e incluso al durísimo Polo Norte. Son 440 días en los que Lina, su familia, y las personas que van conociendo en el camino, deberán tratar de sobrevivir al hambre, el frío y las enfermedades como mejor puedan. Y aunque se trata de una obra de ficción, el libro incluye un par de mapas en los que podemos ver la distancia tan grande que tuvieron que cubrir muchas familias, que sí que vivieron en realidad lo que nos cuenta la protagonista.

Mapa aproximado para que os hagáis una idea de la distancia que recorren los personajes

Normalmente cuando pensamos en la II Guerra Mundial, lo primero que nos viene a la mente es el terror nazi. Sin embargo, la Rusia soviética, con Stalin al frente, cometió auténticas matanzas y deportaciones masivas de los países que iba invadiendo, como en este caso, con Lituania. La autora consigue con una prosa muy fluida y sencilla, y a través de los ojos de una niña, transmitirnos todo el horror que estas personas tuvieron que vivir, despojadas de sus casas y de su vida, y tratados de la manera más inhumana posible, deportados a miles de kilómetros de su hogar, separando familias que no volverían a reencontrarse jamás, y provocando miles de muertes. A pesar de que la historia nos la cuenta una chica de quince años, no deja de ser por ello muy dura y no suaviza nada los horrores que tuvieron que pasar. Hay momentos realmente tristes, aunque también es cierto que la determinación de Lina y otros como ella por sobrevivir, y en especial por dejar testimonio de lo que sucedió y que no se olvide jamás, es admirable. También hay motivos de esperanza, a través de sus dibujos, Lina deja testimonio de todo lo que ve y además, consigue pasar al papel toda su frustración y expresar todo lo que no puede decir en voz alta.

Niños deportados de los Estados bálticos

La realidad es que durante mucho tiempo se han silenciado estos episodios de la historia de los Estados bálticos, invadidos por la Unión Soviética (Lituania, Letonia y Estonia). La autora nos cuenta en una nota final que los que sobrevivieron al exilio en Siberia y pudieron volver en la década de 1950, tras pasar en el exilio entre 10 y 15 años, encontraron que los soviéticos habían ocupado sus casas y que incluso habían adoptado sus nombres y apellidos para poder quedarse con sus pertenencias. Ellos, sin embargo, fueron tratados como criminales y se les obligó a vivir en áreas restringidas bajo la vigilancia de la KGB. Si hablaban de su experiencia iban a la cárcel o eran deportados de nuevo a Siberia. La autora señala que se calcula que Stalin asesinó a más de veinte millones de personas, y que los Estados bálticos perdieron más de un tercio de su población durante el exterminio soviético. En 1991 recuperaron su independencia, y tras leer la novela, se comprende un poco mejor por qué estos países ansiaban tanto su libertad. Durante la ocupación soviética se intentó que perdieran totalmente su identidad, tanto su idioma, cultura como tradiciones, fueron sustituidas por la imposición de la lengua y cultura rusas. No es de extrañar, por tanto, que hoy en día sea tan importante para ellos reafirmar su identidad.

Ruta Sepetys

Ruta Sepetys, nacida en Michigan (Estados Unidos) es hija de un refugiado lituano que tuvo que escapar con sus padres a través de Alemania, para dar a parar a un campo de refugiados, mientras que muchos miembros de su familia fueron deportados y encarcelados. Entre tonos de gris es su primera novela, y trata de ser un homenaje a su padre y a las miles de víctimas de la región báltica. La autora se ha documentado en profundidad, de hecho, viajó un par de veces a Lituania donde recopiló información, se entrevistó con miembros de la familia de su padre, con supervivientes de las deportaciones y de los gulags, psicólogos, historiadores y funcionarios del Estado. Algunas de las situaciones que narra en la novela las ha sacado de las experiencias reales de las personas a las que entrevistó.

'Observados. Voyeurismo & Vigilancia a través de la cámara desde 1870' en la Fundación Canal

2011-11-18T09:00:00.000+01:00

Esta exposición contiene imágenes que pueden herir la sensibilidad tanto por su contenido violento como sexual. He tratado de seleccionar las fotografías más ligeras posibles para ilustrar la entrada (motivo por el que hay menos imágenes de lo que es habitual en este tipo de post), sin embargo, en el vídeo sí que aparecen algunas imágenes duras.

La Fundación Canal propone hasta el 8 de enero de 2012 una interesante muestra fotográfica, en la que bajo el nombre de Observados y con el denominador común de la cámara como objeto voyeurista o vigilante de nuestra intimidad, reune a un centenar de fotógrafos de diversas épocas y tendencias. De este modo, junto a mi adorado Cartier-Bresson, Brassai, Walker Evans, Robert Frank o Dorothea Lange, podemos ver imágenes de artistas contemporáneos, paparazzi o imágenes tomadas por dispositivos de vigilancia. En total, podemos ver un total de 170 fotografías y dos audiovisuales (The Ballad of Sexual Dependency de Nan Goldin y Abscam de Chip Lordque) que exploran lo que significa mirar sin ser visto, desde el erotismo, la violencia, la muerte y la pérdida de la intimidad. La exposición ha sido organizada por el San Francisco Museum of Modern Art y la Tate Modern y patrocinada por Trellis Fund y la Phyllis C. Wattis Foundation.

Cola en el reparto de pan. San Francisco, 1933 (Dorothea Lange)

La muestra se divide en cinco bloques temáticos, de los cuales, mi favorito y el más bello a nivel estético es el primero: El fotógrafo inadvertido. En esta primera parte podemos ver las imágenes más clásicas de la exposición, magníficas fotografías de la mano de genios como Harry Callahan, Henri-Cartier Bresson, Walker Evans, Robert Frank, Dorothea Lange, Helen Levitt o Garry Winogrand. Con la aparición de las cámaras de 35 mm los fotógrafos dejaron de estar limitados como venía sucediendo hasta entonces por grandes aparatos que acarrear de un lado a otro. Desde ese momento, la cámara acompaña al fotógrafo allá donde vaya, puede capturar el instante, además, sin ser visto. Nace de este modo la llamada Street Photography, más interesada en la inmediatez y en anticiparse a lo que se va a capturar con la cámara que en la perfección de la imagen. Este grupo de fotógrafos pudo de este modo denunciar las condiciones de vida infrahumana tanto en la ciudad como en el campo de muchas personas, el hambre o la explotación infantil.

Extraño nº 1, 1998 (Shizuka Yokomizo)

Y digo que el primer bloque es el más bello, pero a continuación vienen proyectos e imágenes muy interesantes. Vigilancia hace hincapié en que hoy en día cualquiera puede ser fotógrafo, quien más quien menos, tiene acceso a pequeñas cámaras que caben en un bolsillo y que le convierten en vigilante de los demás. También nos vigilan desde fuera, la seguridad y el control se han convertido en una obsesión en nuestra sociedad, por lo que ya a nadie le extraña o escandaliza el saber que se toman a diario miles de imágenes nuestras. En este apartado podemos ver la vigilancia tanto como estrategia bélica en las guerras, el espionaje político o industria, o la observación del individuo para estudios sociológicos. Por ejemplo, las imágenes de Shizuka Yokomizo, quien toma fotografías consentidas por sus retratados, aunque estos no saben en qué momento van a ser fotografiados.

Sin título, década 1960 (Miroslav Tichý)

Con Voyeurismo y Deseo comienzan las fotos no aptas para todos los públicos. Se explora el ver sin ser visto, la sexualidad explícita en las imágenes y el voyeurismo, con fotógrafos como Nobutoshi Araki, Merry Alpern, Brassaï, Miroslav Tichy y Kohei yoshiyuki. He seleccionado una imagen de Miroslav Tichý, artista checo que fue encarcelado durante ocho años por su declarado anticomunismo y por fotografiar a mujeres en las calles, en parques y en piscinas municipales. Esta imagen es de las más suaves, en la muestra podemos ver por ejemplo proyectos en los que se fotografía a prostitutas tanto en las calles como en el ejercicio de su profesión a través de las ventanas.

La electrocución de Ruth Snyder, 1928 (Tom Howard)

Esta es sin duda la parte más cruda de la muestra, tuve que apartar de hecho la mirada de dos fotografías (aunque después, repuesta del susto, pude observarlas detenidamente sin poder evitar que se me revolviera el estómago). Testigos de la violencia se centra en la muerte y la violencia, esencialmente a través de imágenes tomadas por fotoperiodistas que logran de este modo que tomemos conciencia de las atrocidades que se cometen en el mundo y que estas no queden silenciadas sino que todo el mundo las vea. La imagen seleccionada es de Tom Howard quien fotografió la primera ejecución por electrocución de la asesina Ruth Snyder con una cámara de placa en miniatura atada al tobillo Además de guerras y ejecuciones, la violencia toma forma en consumo de drogas, delincuencia, mafia y sucesos violentos.

Verano en Skorpios, Jackie dándose un baño, 1970 (Ron Galella)

Para suavizar el mal trago anterior, la muestra se cierra con imágenes más frívolas, las de Celebridades y vida pública, las fotografías tomadas a personajes famosos para las revistas, que encumbraron a toda una nueva especie de fotógrafos, los paparazzi.

La muestra puede verse hasta el 8 de enero de 2012, laborables y festivos de 11 a 20 horas y los miércoles de 11 a 15 horas, la entrada es libre. Aunque es cierto que contiene dos apartados que pueden ser duros, el dedicado a la sexualidad y el dedicado a la violencia, os invitaría a que eso no os desanime a ir a verla, ya que está claramente señalizado y metido en una sala algo apartada, por lo que si no queréis verlas, podéis pasar directamente a las fotografías de famosos con las que se cierra la exposición. Por un lado, siempre es un placer ver las imágenes de los fotógrafos clásicos, por otro, los proyectos que reflexionan sobre la intimidad que podamos tener en la sociedad actual me parecen de lo más interesantes. Espero que os haya parecido interesante esta exposición y, los que podáis, os animéis a ir a verla y comentemos luego qué os ha parecido. ¡Feliz fin de semana!

'Living in the Material World', el retrato en forma de documental de George Harrison a manos de Scorsese

2011-11-16T13:00:00.001+01:00

A estas alturas ya sabéis lo mucho que me gustan los Beatles, si a eso añadimos que George Harrison es mi beatle favorito por su mirada tímida, su incursión en la cultura hindú y la fusión del sitar y la música tradicional hindú con el rock (que luego seguirían bandas a las que adoro como Kula Shaker), por sus guitarras lánguidas o llenas de energía, pero siempre de una gran sensibilidad, por no querer estar en primera fila pese a que sin él los Beatles no hubieran sido lo que fueron... Por todo eso y mucho más, desde que supe que Martin Scorsese había rodado un documental sobre el genial Beatle, estaba deseando verlo. El documental se estrenó hace unas semanas en la HBO y salió a la venta el pasado 10 de octubre en Londres. Por una vez, en España no hemos tenido que esperar mucho para poder disfrutar de este documental, y la semana pasada se estrenaba en cines George Harrison. Living in the Material World. Este domingo fui a verla, a pesar de que avisaban antes de entrar de que duraba tres horas y media con un descanso de cinco minutos entre la primera y la segunda parte. Personalmente se me hizo cortísima, ni me enteré, pero es cierto que iba con ventaja: para empezar soy super fan de los Beatles, podría tirarme horas y horas escuchando sus discos o viendo vídeos suyos, además, me encantan los documentales o películas sobre música. Sin embargo, no fue así para todo el mundo, muchos abandonaron la sala para no volver tras el descanso (la primera parte dedicada íntegramente a su etapa con los Beatles) y otros fueron abandonando a lo largo de la segunda (dedicada a su carrera en solitario), así, en una sala que comenzó llena al cien por cien, quedamos al final la mitad de espectadores. Es cierto que el día era complicado, domingo a las 21.00 horas, por lo que terminó a las 24.30 horas, pero como digo, eso ya lo avisaban antes de comprar la entrada.

A lo que vamos, centrándonos solo en la parte técnica, he de decir lo obvio, que Martin Scorsese es un director excepcional, con una capacidad para el lenguaje cinematográfico asombrosa. Sin voz en off (la odio), sin un narrador, va discurriendo la historia que Scorsese sabe hilar con una gran maestría consiguiendo una continuidad con los comentarios de aquellos que le conocieron y del propio George Harrison, tomadas de entrevistas anteriores o actuales, todo ello con fotografías y vídeos, y cómo no, las canciones de los Beatles y de George Harrison en solitario. En cuanto al documental en sí mismo, comienza con una breve introducción en la infancia del beatle, para pasar enseguida a su experiencia en el grupo, cómo comenzó a componer sus propias canciones, algunas de ellas las más bellas de la banda como la impresionante While my guitar gently weeps, Something, Here comes the sun, I me mine o Whitin without you. La segunda parte se centra más en él como persona y descubre algunos aspectos menos conocidos de su vida: su amistad con los Monty Phyton que le llevó a financiar íntegramente La vida de Brian en la que aparece como actor de reparto, sus viajes a la India donde aprendió a tocar el sitar y las técnicas de meditación que le acompañarían toda su vida, su amistad con Eric Clapton quien se quedaría con su primera mujer Pattie... Entre los entrevistados encontramos, entre otros, a su primera esposa Pattie Boyd, su última esposa Olivia Trinidad Arias, Eric Clapton, Yoko Ono, Phil Spector, Tom Petty, y los Beatles supervivientes Paul McCartney y Ringo Starr.

El documental tiene momentos divertidísimos, como cuando George sin pensarlo mucho invitó a los Ángeles del Infierno a quedarse en los estudios de grabación de su discográfica Apple, y no había quien les echase de allí; momentos tensos como las discusiones y el fin de los Beatles; o muy tristes, como el momento en que un loco entró en su casa por la noche y le atacó brutalmente. El testimonio de su esposa Olivia contándolo es escalofriante. En aquella época George ya sufría el cáncer que acabaría con su vida en noviembre de 2001, y se cree que esas lesiones aceleraron su muerte. Especialmente emotivo es el testimonio de su hijo Dhani Harrison, hablando con muchísimo amor de su padre, cómo le decía que no fuera al colegio y se quedara tocando con él (sin embargo él iba a clase, ya que según cuenta, en su familia, la rebeldía se demostraba al ir al colegio), o cuando cuenta cómo el loco que irrumpió en su casa, acortó la vida de su padre y la posibilidad de que pudieran pasar más tiempo juntos.

Me quedo también con el simpatiquísimo (como siempre) y vital Ringo Starr, y sus emocionadas lágrimas al recordar a su amigo y compañero en la banda. A mí me ha emocionado y gustado muchísimo, en cuanto salga a la venta pienso hacerme con el dvd para verlo de nuevo, y aunque creo que es un documental de una calidad excepcional, entiendo que sólo puedo recomendároslo a los que seáis fans de los Beatles, o a aquellos que tengáis interés por conocer más de la banda de Liverpool y de George Harrison, a vosotros, os va a encantar.

'Yo me he llevado tu queso' de Deepak Malhotra

2011-11-14T09:00:00.000+01:00

Título: Yo me he llevado tu queso (I Moved Your Cheese)

Autor: Deepak Malhotra

Editorial: Empresa Activa / Ediciones Urano (Octubre 2011)

Año de publicación: 2011

Páginas: 94
Precio: 8 euros

No es habitual que reseñe en este blog libros de no ficción, ni siquiera de temas empresariales, como es el caso, la economía no es mi fuerte, pero este caso es especial, esencialmente por mi situación laboral actual en la que cualquier ayuda o idea es bienvenida. Hace 13 años apareció el que se convertiría en el libro de empresa más vendido del mundo ¿Quién se ha llevado mi queso? Movida por la curiosidad ante tanta fama, conseguí el libro y lo leí sin casi pestañear, luego le daría unas cuantas vueltas al mensaje del mismo. Se trataba de un libro innovador, en el que no nos daban mensajes gratuitos, mascados una y otra vez o consignas de autoayuda que al final resultan poco creíbles. Tampoco hablaba de las empresas, el trabajo o la economía, aunque en el fondo sí que hablaba de eso. A través de una sencilla fábula, a modo de cuentecillo, se nos presentaba un laberinto en el que vivían unos ratones buscando continuamente queso para comer. Un día, el queso desaparece inexplicablemente, y mientras unos se quedaban lamentándose y preguntándose por qué había desaparecido el queso, un ratón intrépido salía a la búsqueda de más queso. El mensaje estaba claro, no te lamentes, acepta el cambio, este ha de llegar y lo mejor es afrontarlo de la manera más optimista que podamos. En estos momentos en los que la crisis asfixia al mundo entero, y las cifras de paro llegan a cotas escandalosas, no es de extrañar que haya surgido un libro como Yo me he llevado tu queso. En cuanto lo vi, supe que quería leerlo. De nuevo, tenemos a los ratones en el laberinto, con un gran sentido del humor se habla de un libro que todos los ratones leen con avidez (La Biblia del queso) y que les invita a aceptar el cambio y a buscar el queso cuando este se acaba, incluso antes de que eso suceda. Sin embargo, uno de los ratones, Max, considera que no hay que dar todo por sentado ni creernos ciegamente lo que nos cuentan. Él quiere saber quién se ha llevado el queso, es más, desea salir del laberinto. También conoceremos a Zed y a Big, quienes se enfrentarán de maneras diferentes al laberinto.

El autor, sin negar que el mensaje de que hay que aceptar y adaptarse a los cambios sigue siendo válido, considera que esa idea se queda un tanto pequeña ante el panorama actual, y propone la creatividad y la autonomía para cambiar aquello que no nos guste de nuestra vida, no solo a nivel laboral, sino también personal. Romper con las ataduras que muchas veces nos impone la sociedad o nuestro entorno, pero que muchas otras nos imponemos nosotros mismos, y tratar de buscar un nuevo camino con el que nos sintamos a gusto de verdad. Como se dice en el libro, el problema no es que los ratones estén en el laberinto (en laberintos ajenos, además), sino que el laberinto está en la mente de los ratones, lo que les hace imposible el poder escapar. Lo que más me ha gustado de este libro es que puede ser leído tanto por adultos a los que nos dará muchas ideas y cosas en las que pensar para poder aplicar a nuestros propios casos concretos, como a jóvenes y adolescentes, de hecho, al final del mismo, hay unas cuantas preguntas y estrategias de debate para que se hable del contenido del libro en grupo.

"El laberinto era un modo de vida. Pero no era su modo de vida. El laberinto era lo único que conocía. Pero no era lo único que podía imaginar"

Deepak Malhotra

El libro contiene algunas ideas interesantes, especialmente las de romper con lo que creemos que debemos hacer y plantearnos si nuestros actos y nuestra vida nos ayudan a ser realmente felices o no. Nos invita a tomar nuestras propias decisiones y a tomar las riendas de nuestra vida. Como suele suceder en este tipo de libros, es cierto que tiene una gran carga idealista, si uno está listo para tomar las riendas de su vida, no necesita el libro. Si uno tiene ataduras, por mucho que lo lea, y aunque esté de acuerdo con ellas, no va a cambiar de actitud o conseguir grandes avances. Es más fácil aconsejar qué hacer que conseguir hacerlo, eso está claro. Por otro lado, me parece que el mensaje de Quién se ha llevado mi queso era más alentador y fácil de llevar a la práctica, por no decir más útil. En definitiva, si te despiden, no te eches a llorar, busca otro empleo, incluso, busca otro empleo antes de que te despidan (otra cosa es que luego eso sea fácil de llevar a la práctica, porque somos personas con emociones y eso no se puede controlar, pero eso es otra historia). Quizá este libro no tenga un mensaje tan universal como el otro, pero sí que me ha parecido que tiene un valor que el otro no tenía, y es que el primero se centraba esencialmente en el mundo empresarial y adulto, y este podría aplicarse a muchos otros ámbitos, a la vida personal y a personas de muchas condiciones y edades, incluso personas que no trabajen. Si os apetece una lectura diferente y reflexionar un poco sobre quiénes somos y qué podemos hacer para romper las barreras que nos aprisionan en nuestros convencionalismos y cárceles diarias (o laberintos), este libro es muy breve, la historia es muy entretenida y os dará para muchas reflexiones y conversaciones con los demás. Deepak Malhotra es profesor en la Unidad de Negociaciones, Organizaciones y Mercados de la Harvard Business School. Aunque ha tomado la idea y parte del título, no es el autor de ¿Quién se ha llevado mi queso?, libro que fue publicado en 1998 por Spencer Johnson. Tampoco confundáis este Yo me he llevado tu queso con otro libro que existe con el mismo nombre, escrito por Darrel Bristow Bovey, que no tiene nada que ver, ya que es una obra de humor en el que se satiriza este tipo de libros.

El Hermitage en el Prado

2011-11-11T00:05:00.001+01:00

Como os comentaba hace poco, aproveché que este miércoles era fiesta en Madrid (el día de la Almudena) para visitar la recién estrenada exposición El Hermitage en el Prado. Os recuerdo que hay que reservar hora para poder visitarla y que, aunque el aforo es limitado, la exposición está hasta los topes, por lo menos el día que fui yo. Os aconsejaría que fueseis a alguna hora poco convencional, a la hora de comer por ejemplo, yo fui a las 15.00 y aunque estaba lleno se podía ver bien, sin embargo, cuando salimos, una hora y cuarto después, había una cola impresionante para entrar. La muestra podrá verse en el Museo del Prado hasta el 25 de marzo de 2012 de martes a domingos y festivos de 9 a 20 horas y los lunes de 10 a 20 horas. La entrada general cuesta 12 euros que, os aseguro, vale la pena gastarse.

Hermitage

Pasando a la exposición propiamente dicha, ésta ocupa dos grandes salas y recoge más de 170 obras de la colección del Hermitage. Las obras son realmente impresionantes aunque, claro, se echa de menos poder visitar el palacio en sí, que como podéis ver debe ser una auténtica maravilla. El Hermitage se encuentra a orillas del río Neva, en San Petersburgo, y sus obras fueron iniciadas por Pedro I el Grande, el zar que fundó la ciudad. Posteriormente, se iría ampliando, en especial por Catalina II, que construyó el Pequeño Hermitage y el Viejo Hermitage para albergar las colecciones imperiales de arte, y su nieto Nicolás I, quien añadió el Nuevo Hermitage.

Te avae no Maria (El mes de María), Paul Gauguin (1899)

Los fondos artísticos fueron nacionalizados tras la Revolución Rusa de 1917, y las colecciones fueron posteriormente ampliadas con obras de los siglos XIX y XX. La muestra se abre con tres grandes retratos de estos tres personajes, de los que me llamó especialmente la atención Catalina II quien admiraba tanto a Voltaire que compró a la muerte de este su biblioteca y la añadió al palacio. En la primera parte de la muestra podemos hacernos una idea de cómo debió ser este en su época de esplendor, al contemplar distintos cuadros que lo retratan, además de joyas y emblemas de los zares, o vestidos cortesanos o el uniforme de general de la Guardia de Corps del regimiento de Húsares. Las joyas, el lujo y el despilfarro de los zares es evidente viendo la cantidad de objetos de valor que atesoraban, algo lamentable teniendo en cuenta la gran pobreza en la que vivía el pueblo ruso, por lo que no es tan difícil comprender por qué se inició la Revolución y por qué los zares fueron el primer objetivo de la misma.

Peine con escena de batalla Oro, Finales del siglo V – principios del siglo IV a. C. Norte del mar Negro, cuenca del río Dniéper

Resulta impresionante la colección dedicada al oro de los nómadas de Eurasia, quienes poblaron durante el primer milenio antes de Cristo el territorio que va desde Hungría por el oeste, hasta China y Mongolia por el este. Estos enterraban a sus reyes y grandes guerreros en lujosos sepulcros que contenían armas y adornos de oro. Las piezas de esta colección pertenecen a la Colección Siberiana de Pedro I, se formó en el primer cuarto del siglo XVIII con piezas procedentes de los saqueos de los enterramientos y de los hallazgos de las primeras excavaciones. También podemos ver la colección de orfebrería griega del Hermitage, así como piezas arqueológicas de la India, Oriente y Europa.

San Sebastián, Tiziano (1576)

Para mi gusto, las pinturas son lo más relevante de la muestra, podemos encontrar verdaderas maravillas, y es una oportunidad única de poder contemplar obras maestras impresionantes. La lista es extensa, y como siempre, solo puedo mostraros una parte (en el vídeo podéis ver más obras y objetos de la muestra). Los zares fueron recopilando a lo largo de los años obras maestras de la pintura, el dibujo y la escultura. En la primera planta podemos ver las obras más clásicas, desde Tiziano, Caravaggio, Ribera, y Velázquez, Rembrandt... El Greco es uno de mis autores clásicos favoritos, en la exposición podemos contemplar el magnífico cuadro San Pedro y San Pablo.

San Pedro y San Pablo, El greco (1592)

De su colección de dibujos, vienen obras de Durero, Rubens, Watteau e Ingres y, entre las esculturas, pueden destacarse obras de Bernini o varias de Antonio Canova, de las que me quedo con la preciosa Magdalena penitente.

La magdalena penitente, Antonio Canova (1808-1809)

La segunda planta, mi favorita porque en ella se encuentran algunos de los pintores que más me gustan, presenta la colección de arte de los siglos XIX y XX. Los fondos del Hermitage de estas épocas a principios del XX eran inexistentes, por lo que tras la Revolución Rusa y la nacionalización de las colecciones imperiales y privadas, muchas grandes obras pasaron a formar parte del Hermitage. Las obras impresionistas y de las vanguardias europeas llegaron en 1948, tras la disolución del Museo Estatal de Arte Occidental de Moscú, formado principalmente a partir de las colecciones de arte vanguardista de los coleccionistas moscovitas Serguéi Schukin e Iván Morózov.

Niño con un perro, Pablo Picasso (1905)

Tenemos en esta planta obras de artistas impresionistas y post-impresionistas como Monet, Cézanne, Renoir, Gauguin o Matisse. De Picasso podemos ver varios cuadros, entre ellos el precioso Niño con un perro (no olvidéis pasaros por la sala 60 del museo para ver la obra en préstamo La acróbata de la bola del Museo Pushkin, estará hasta el 8 de enero). Termino la visita con la que es una de mis obras favoritas, y es que el pintor vanguardista ruso Kandinsky es uno de mis favoritos, y su obra, Composición VI, en la que representa el Diluvio, una de las que más he disfrutado observando en esta muestra. Tanto es así que, ya que siempre que voy a una exposición o a un museo me compro un marcapáginas como recuerdo de la misma, en esta ocasión he seleccionado el que representa el cuadro del ruso.

Composición VI, Vasily Kandinsky (1913)

Espero que hayáis disfrutado de la muestra tanto como yo, y a los que podáis, os animo a que no os la perdáis y que visitéis esta exposición ¡Feliz fin de semana!

'En el café de la juventud perdida' de Patrick Modiano

2011-11-09T09:00:00.001+01:00

Título: En el café de la juventud perdida (Dans le café de la jeunesse perdue)

Autor: Patrick Modiano

Editorial: Anagrama (septiembre 2008)

Año de publicación: 2007

Páginas: 131
Precio: 14,50 euros

"Le Condé era para mí un refugio de la grisura de la vida. Habría una parte de mí mismo -la mejor- que algún día no me quedaría más remedio que dejar allí."

Gracias a que Karo de libro_génica ha hablado hace poco de él en su blog y a Lahierbaroja que reseñó este mismo libro en el suyo, he podido conocer a este autor francés que vais a ver más veces por el blog. ¡Seguro! Su estilo, la melancolía que destila, lo sugestivo y sensorial que es, cómo ha conseguido trasladarme al París de los años 60 haciéndome olvidar por momentos que no, que no estaba allí, me han convencido totalmente. Patrick Modiano me gusta y mucho, sé que entre los que seguís el blog hay much@s adictos a la literatura francesa, y os va a encantar Modiano. En el café de la juventud perdida nos traslada al París de los años 60, a las calles de Montmartre, al bulevar Saint-Michel, a Montparnasse, a Pigalle... El café Le Condé - ("por las inmediaciones de la glorieta de L'Odeon, que siempre me imagino igual de lúgubre bajo la lluvia") - es el punto de encuentro donde se reunen poetas, estudiantes, marginados de la sociedad, gente que no encuentra su lugar y que aquí no es cuestionada ni juzgada, donde ni si quiera se les pregunta de dónde vienen. Es el caso de la enigmática Louki, un apodo bajo el que se esconde una joven que nadie conoce realmente.

"De las dos entradas  del café, siempre prefería la más estrecha, la que llamaban la puerta de  la sombra. Escogía la misma mesa, al fondo del local, que era pequeño.  Al principio, no hablaba con nadie; luego ya conocía a los parroquianos  de Le Condé, la mayoría de los cuales tenía nuestra edad, entre los  diecinueve y los veinticinco años, diría yo. En ocasiones se sentaba en  las mesas de ellos, pero, las más de las veces, seguía siendo adicta a  su sitio, al fondo del todo."

Dennis Stock/Magnum, Paris St Germain des Prés (1958)

Varios hombres que la conocieron, en mayor o menor medida, serán los encargados de ir reconstruyendo las piezas del puzle de esta chica que no quiere ser reconstruida. Hija de una taquillera del Moulin-Rouge, Louki huye cada cierto tiempo de su pasado y de las personas con las que vive su presente en una continua huida hacia delante. Louki, que vagabundea con quince años por las oscuras calles de París y es detenida por vangancia de menor, la misma que se pierde entre los libros de una librería de viejo y rebusca entre obras de astronomía, la que busca sin saber qué busca ni si realmente busca algo. Todas esas Louki son reconstruidas por los demás, e incluso por ella misma. Perdida, encontrada y vuelta a perderse entre las calles de París. Una novelita que juega con la nostalgia, con los tiempos mejores que se fueron de la juventud para no volver, y que nos plantea un final inesperado, o quizá esperado también, pero trágico e intenso, un final digno de ser recordado. En el fondo, no sabremos nunca quién es realmente Louki ni falta que hace, porque como dice uno de los personajes de la novela: "Cuando de verdad queremos a una persona, hay que aceptar la parte de misterio que hay en ella".

Robert Doisneau, Parisienne (1969)

"Hay electricidad en el aire de París en los atardeceres de octubre, a la hora en que va cayendo la noche. Incluso cuando llueve. No me entra melancolía a esa hora, ni tengo la sensación de que el tiempo huye. Sino de que todo es posible."

Patrick Modiano

Patrick Modiano (Boulogne-Billancourt 1945) es un prestigioso escritor francés que ha recibido nada más y nada menos que el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa en 1972, el Premio Goncourt en 1978, el Premio Roger Nimier, el Premio Fenéon y el Premio de la Fundación Pierre de Mónaco por el conjunto de su obra. La historia de amor de sus padres podría formar parte de una de sus novelas. Su padre Albert Modiano, descendiente de una familia judía italiana emigrada a París, y su madre, la actriz belga Louisa Colpijn, se conocieron durante la ocupación alemana de Francia. De hecho, ese periodo histórico suele repetirse en sus primeras novelas, que exploran la ocupación nazi en Francia y el colaboracionismo. Como os digo, yo pienso repetir con él, ha sido un flechazo lectora-autor que creo, durará bastante tiempo. Una de esas veces en que sientes que ha sido algo más que una lectura placentera, más bien una conexión.

Hoy miércoles es fiesta en Madrid, es el día de la Almudena, así que aprovecharé entre otras cosas para ver la exposición del Hermitage en el Museo del Prado, del que ya tengo las entradas. Os aviso, porque a mí me ha pillado de sorpresa, que hay que coger hora previa para la visita. Se puede hacer tanto por teléfono, como online o presencialmente (aunque está todo bastante a tope y es mejor cogerlas con tiempo). Para los periodistas como yo, o cualquier otra persona que pueda entrar gratis a la exposición, ojo, porque también tenemos que reservar hora previamente, no es llegar y ya está. Hay una opción para coger las entradas gratis online y una vez allí se canjean en taquilla enseñando la acreditación, aunque es obligatorio comprar una normal cuando se coge la gratuita (yo he aprovechado para coger la de mi chico que tiene que pagar). Tenéis toda la información aquí, de todos modos, este viernes, os traeré mis impresiones de qué me ha parecido este viaje a Rusia que tantas ganas tengo de hacer (también al país de verdad, ¡ojalá!) y toda la información que pueda reunir.

Concierto de Yes en La Riviera: virtuosismo y emoción a partes iguales sobre el escenario

2011-11-07T11:45:00.000+01:00

Hay conciertos para pasarlo bien, corear canciones, bailar... Y otros para disfrutar al cien por cien viendo cómo alguien puede sacar un sonido maravilloso e inimaginable con su instrumento. El concierto de Yes fue un ejercicio de virtuosismo, a la vez que un regalo absoluto para los que pudimos verles en directo. La Riviera abarrotada, algo poco frecuente en este tipo de conciertos, en los que los integrantes del grupo son más que veteranos y las formaciones originales han sufrido cambios a lo largo del tiempo. Eso sí, no había visto jamás un público tan entregado, tanto es así, que los propios músicos nos miraban con una mezcla de orgullo, felicidad y asombro ante las intensas ovaciones que nos arrancaban, especialmente al final del espectáculo, cuando toda la banda en el escenario saludó y despidió al público. A pesar de que los veteranos del grupo andan más allá de la sesentena, eso no afectó para nada a la actuación, más bien al contrario ¿cómo consiguen seguir en tan buena forma? El bajista Chris Squire, impresionante marcando el ritmo, el batería Alan White o el teclista Geoff Downes dieron lo mejor de sí mismos. Y aunque el cantante original de la banda Jon Anderson será siempre insustituible, el "joven" Benoit David de 45 años que le sustituye, consigue que por momentos consigamos olvidar que no estamos oyendo al cantante original del grupo, ya que el timbre de su voz es bastante parecido al de Anderson. Sin embargo, con el que creo que nos quedamos todos embobados, emocionados hasta las lágrimas, fue con el increíble guitarrista Steve Howe de 64 años. ¿Cómo lo hace? ¿Cómo puede conseguir que su guitarra nos hable, cante, transmita con tanta intensidad? Muy pocos guitarristas pueden conseguir lo que este hombre, y en ese sentido sé que he tenido la inmensa suerte de poder ver a uno de los grandes encima de un escenario. Uno de esos músicos que por desgracia ya no se estilan, de una época en la que los guitarristas insustituibles eran parte esencial de un grupo.

El momento más mágico de la noche fue cuando Steve Howe armado él solo con su guitarra y sin el acompañamiento del resto del grupo nos enseñó de lo que es capaz, atreviéndose con todo y demostrando que es un auténtico maestro de la fusión: rock, jazz, country, blues, flamenco... sus dedos se movían por la guitarra como si nada, como si hubiese nacido con la guitarra pegada a sus manos. Si acaso la única pega que le pondría al concierto es que las canciones del nuevo álbum no llegan ni a la mitad de la emotividad que alcanzaban sus temas clásicos, que no solo eran virtuosos sino llenos de ritmo, divertidos y trepidantes, con el último álbum la banda se ha quedado tan solo con el lado virtuoso, siendo una pena que ya no conserven ese "algo" que les hacía especiales y diferentes. A pesar de ello, un diez para esta banda y para la magnífica actuación que nos regalaron el viernes en La Riviera, que terminó de la mejor de las maneras posibles, con un apoteósico Roundabout final. Me siento muy feliz de haber podido ver algo así en directo, especialmente teniendo en cuenta que los grandes grupos del rock son cada vez más difíciles si no imposibles de ver en directo. Y especialmente quiero agradecerle a mi chico que me regalase la entrada para poder asistir al concierto, hubiese sido una gran pena que no hubiese podido disfrutarlo, y si ha sido posible ha sido gracias a él.

Delacroix hasta el 15 de enero en Caixaforum Madrid y a partir de febrero en Caixaforum Barcelona

2011-11-04T11:03:00.001+01:00

Si hay una exposición que pueda decir que va a ser sin duda mi favorita del año (por lo menos de momento, hasta que se inaugure el 8 de noviembre la del Hermitage en el Prado, que estoy deseando ver), esa es la dedicada a Delacroix en Caixaforum. Por culpa de todos los problemas técnicos que he tenido con el blog no he podido hablaros antes de ella, pero la esperaba con ansiedad desde hacía tiempo, y el día después de inaugurarse estaba ya allí viéndola. Luego, he vuelto una segunda vez con mi chico, y no descarto volver más veces. Me encanta Delacroix, me encanta el siglo XIX y el romanticismo. ¿Cómo no va a entusiasmarme esta muestra?

Autorretrato con chaleco verde

El recorrido comienza con dos autorretratos de Eugène Delacroix, quien nació en 1798 en la localidad francesa de Charenton-Saint-Maurice y falleció en París en 1863. Aunque comenzó su formación con maestros neoclásicos como Pierre Narcisse Guérin, Théodore Géricault o el Barón Gros, pronto comenzó a fijarse en otros clásicos, visitando el Louvre y copiando a los pintores que admiraba como Rubens, Velázquez o Rembrandt. Si hay algo maravilloso en esta muestra es ver cómo el pintor fue evolucionando de una manera increíble desde sus primeros cuadros más formales y clásicos, hasta terminar en un estilo propio, muy personal, de pinceladas sueltas y pinturas llenas de luz, que serían fuente de inspiración para los impresionistas y postimpresionistas. Y es que Delacroix fue un auténtico adelantado a su tiempo.

El duque de Orleans mostrando a su amante

Como hijo de su época que fue, el espíritu romántico impregna toda su obra, con personajes solitarios y melancólicos, o grandes héroes. El pintor se relacionó con los grandes artistas de su época, quienes no ocultaron su admiración por él y por su obra, el intercambio fue mutuo. Baudelaire no tenía más que palabras de elogio para Delacroix, y Goethe admiró las excelentes litografías que este hizo de su Fausto. Unas litografías que pueden verse en la muestra y que son sencillamente extraordinarias, si habéis leído el clásico de Goethe (os lo recomiendo, es un libro imprescindible) veréis con qué acierto supo plasmar Delacroix la historia en estas litografías. Me encantaría tener un libro con estas ilustraciones.

Otro de los motivos de inspiración literarios del artista fue Hamlet de Shakespeare, un personaje que encarnaba muy bien el espíritu romántico de la época con su carácter atormentado y solitario. Como veis, la literatura fue para Delacroix una fuente constante de inspiración, tanto sus contemporáneos como los clásicos.

Hamlet y Horacio en el cementerio

Otro de los coetáneos al que admiró fue el poeta Lod Byron, al que le dedicó varios cuadros y por quien comenzó a interesarse en el conflicto entre Grecia y Turquía. La guerra de la independencia de Grecia fue seguida con gran interés en la época, y Byron fue uno de los defensores del bando griego, llegando a morir en este país. Delacroix dedicó varios cuadros a la lucha del pueblo griego por su libertad.

Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi

Otro de sus grandes puntos de inspiración fueron los viajes y el exotismo de otras culturas. Su viaje a Marruecos y Argelia ha dejado grandes cuadros llenos de luz y color. Los harenes, las exóticas y suntuosas ropas árabes, las celebraciones, la calle como lugar de reunión, fueron algunas de las cosas que más le impresionaron de su viaje y que luego plasmó en cuadros de una gran belleza.

Mujeres de Argel en su aposento

Me encantaría poder mostraros todas las obras de la muestra, ya que todas son imprescindibles, pero no me ha quedado más remedio que hacer una selección de las que, por un motivo u otro, más me han gustado. La muestra reune más de 100 obras del pintor francés, gracias a la colaboración del Museo del Louvre. Además, cuenta con préstamos de la National Gallery de Londres, el Metropolitan Museum de Nueva York o el Art Institute de Chicago. Es cierto que en la exposición se echan de menos sus famosas grandes composiciones históricas como La libertad guiando al pueblo, pero a cambio, podemos contemplar otras obras suyas menos populares y no por ello menos interesantes.

Cristo en la columna

Esta exposición emociona, con cada uno los cuadros que se muestran, con tan solo pensar que una mano humana ha podido concentrar tanta belleza en un lienzo. Uno de los retratos más impresionantes de la muestra y mi favorito es el que podéis ver a continuación del barón Schwiter. Pertenece a sus obras más tempranas, influenciadas por la pintura británica tras pasar tres meses en Inglaterra estudiando a los pintores ingleses. El cuadro, de gran tamaño, pierde mucho visto aquí, cara a cara, el barón parece aún lleno de vida y nos contempla altivo desde el cuadro.

El barón Louis-Auguste de Schwiter

Termino el repaso con el que es mi otro cuadro favorito de la muestra, este por su belleza en sí mismo y también por todo lo que representa. Y es que Delacroix en sus últimos años depura su estilo hasta convertirlo en algo muy personal: pinceladas sueltas, apenas esbozos, y luz, mucha luz en paisajes al aire libre. ¿A qué nos suena esto? Pues sí, Delacroix fue un auténtico precursor del Impresionismo, no en vano, influyó mucho en estos pintores quienes reconocieron esa influencia, también en Van Gogh, otro de sus grandes seguidores. El cuadro que os muestro a continuación, El mar desde Dieppe, es un ejemplo de ello. Rabiosamente moderno para su época, podría pertenecer a cualquier artista impresionista, pero no, es de Delacroix, una auténtica maravilla adelantada a su tiempo.

El mar desde Dieppe

Siempre que os recomiendo una muestra es porque me ha gustado mucho (las que veo que no me gustan ni me molesto en hablar de ellas), pero es que esta de verdad os la quiero recomendar, creo que nadie que pueda verla debería perdérsela. Tenéis hasta el 15 de enero de 2012 para verla en Caixaforum Madrid (paseo del Prado, 36) de lunes a domingo de 10 a 20 horas, y la entrada es gratuita. Además, a partir de febrero la muestra se traslada al Caixaforum de Barcelona (Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8), por lo que digo, no podéis perderosla.

Medea

Y aunque ya lo haya dicho en los comentarios de la entrada donde os hablé de los problemas técnicos que he tenido con el blog, quería volver a agradeceros a todos vuestras palabras y vuestro apoyo, realmente me animaron muchísimo. De momento parece que todo se ha arreglado así que seguiré en Blogger hasta que me den otro disgusto, bueno, esperemos que eso no suceda. Gracias de verdad, me hacéis sentir realmente querida y que apreciáis lo que hago en este blog al que dedico mucho tiempo y en el que vuelco mucho de mí misma. Espero que disfrutéis mucho del fin de semana, yo me voy esta tarde a ver a Yes en La Riviera, como ya os comenté, así que el lunes os contaré. ¡Feliz fin de semana!

'Criadas y Señoras' de Kathryn Stockett

2011-11-02T23:43:00.000+01:00

Título: Criadas y Señoras (The Help)

Autor: Kathryn Stockett

Editorial: Maeva (2010)

Año de publicación: 2009

Páginas: 560
Precio: 10 euros

Nos encontramos en Misisipi, en la localidad de Jackson, a principios de los años 60. Kennedy es presidente de los Estados Unidos, Stevie Wonder con tan solo 12 años suena con éxito en las emisoras de radio, también se oye ya a los Rolling Stones o a Bob Dylan. La mayoría de los hogares cuentan ya con televisión y aire acondicionado, y por primera vez se acepta a un chico negro, James Meredith, en la Universidad de Misisipi. La otra cara de la moneda es la segregación racial, el asesinato del activista por los derechos civiles Medgar Evers, o la necesidad de una marcha hacia Washington donde Martin Luther King daría su famoso discurso iniciado con las palabras "tengo un sueño". Y es que a pesar de que la esclavitud se abolió en EEUU en 1865, la segregación racial sería una realidad hasta 1964, año en que el Acta de Derechos Civiles puso fin a la discriminación en lugares públicos, en el gobierno y en el empleo. Criadas y Señoras es un retrato de esta época y de la lucha por los derechos civiles en EEUU, a través de las historias de varias mujeres, criadas negras que deciden contar su historia y los abusos a los que se ven sometidas por sus señoras blancas. Skeeter acaba de terminar sus estudios en la Universidad y regresa a su hogar en Jackson, allí decidirá escribir la historia de las criadas negras que se encargan de la limpieza de los hogares blancos y de criar a sus hijos, todo ello bajo la sombra del recuerdo de Constantine, la criada que la cuidó a ella desde niña y que misteriosamente desapareció un día sin dejar ni rastro. Para sacar adelante el libro, Skeeter entrevistará a varias criadas, entre ellas, a Aibeleen quien ha criado a muchísimos niños blancos a pesar de que siempre sufre cuando estos de hacen mayores y comienzan a señalar las diferencias por el color de piel, o Minny, rebelde a pesar de que tiene que alimentar a su numerosa familia y a su marido borracho que la maltrata. Junto a ellas, iremos conociendo el día a día de estas mujeres, las humillaciones y abusos a las que se ven sometidas, como el tener que usar un lavabo fuera de la casa solo para ellas para "no contagiar" a las familias blancas con sus virus, tener que vivir en guetos apartados o no poder acceder a las bibliotecas de blancos.

La impresionante Memphis Minnie, a la que se nombra en el libro

El libro supone un viaje al pasado a una de las épocas más vergonzosas de EEUU, especialmente en los estados del Sur, con cosas que realmente llaman la atención y escandalizan como la Compilación de leyes Jim Crow para los estados del Sur, unas normas de segregación vigentes de 1876 a 1965, en las que podemos encontrar cosas como que una persona blanca no puede casarse con alguien de otra raza o el matrimonio se considerará nulo, que un peluquero negro no pueden cortar el pelo a mujeres o niñas blancas, que no pueden ser enterrados en lugares donde se entierra a blancos o que las escuelas de blancos y negros no pueden intercambiar libros. La parte histórica de la novela ha sido lo que más me ha gustado de ella, aunque apenas se den pinceladas de los acontecimientos, a partir de lo que se nos cuenta podemos ahondar más en la historia. Por otro lado, el hecho de que las criadas negras cuenten su día a día hace el libro mucho más humano y podemos imaginarnos mejor cómo debían sentirse al ser tratadas de ese modo, una mezcla de amor-odio, ya que cuidan a esos niños blancos a los que adoran pero que cuando crezcan serán los racistas explotadores que les emplearán, y una mezcla de temor y rebeldía. A pesar de lo largo que es, el libro se lee muy bien ya que está plagado de anécdotas e historias, algunas de ellas muy divertidas, como la tarta de Hilly, el personaje más odioso y racista de la historia, o la pobre Celia, una rubia despampanante que no sabe hacer ninguna labor de la casa y que es despreciada por todas las mujeres de Jackson que no quieren relacionarse con ella.

James Meredith, primer estudiante negro de la Universidad de Misisipi, escoltado para ir a clase

¿Entretenido? Sí ¿Impresionante? Me temo que he de decir que no, a pesar de las buenas críticas que está teniendo. Y es que Criadas y Señoras no deja de ser un bestseller que trata un tema interesantísimo de una manera muy humana, que reivindica el papel que todas esas personas vivieron en la lucha por los derechos civiles, pero que en mi opinión no merece el revuelo que ha levantado. En primer lugar, el libro está escrito a tres voces, las de las criadas Aibeleen y Minny, y la universitaria y blanca Skeeter. A pesar de que tanto social como culturalmente son muy diferentes, la autora escribe exactamente igual los capítulos de las tres, tanto es así, que en alguna ocasión en que me he despistado o que he dejado algún capítulo a medias, he tenido que ir al principio del mismo a ver quién "escribía" el capítulo. Los personajes están bien definidos, pero sus voces son exactamente las mismas, lo que le resta a la historia muchísima verosimilitud. Por no hablar de que de repente uno de los capítulos está escrito en tercera persona, desde fuera, contándonos lo que las tres protagonistas hacen. He de decir que ha sido el que más me ha gustado, ya que ahí no tenía esa sensación de engaño con los personajes, ojalá hubiera estado escrito íntegramente así. Otra cosa que no me ha gustado nada es que en los diálogos se haga hablar a los personajes negros mal poniendo en cursiva las palabras mal pronunciadas (grasias, universidá, pensá, pos, pa) algo que me ha ralentizado mucho la lectura y que me ha parecido bastante ridículo y un pelín racista. Primero porque cuando esos mismos personajes hablan en sus capítulos contando la historia lo hacen de manera culta (utilizando incluso vocabulario y expresiones que no es creíble que manejen), solo hablan mal en los diálogos, y en segundo lugar, porque se dice que Aibeleen es una persona muy lectora y a la que le gusta escribir, algo incompatible con esa forma de hablar. Lo mismo sucede con otra de las criadas, Yule May, quien ha ido a la universidad, pero aún así habla mal. Entiendo que el libro hubiera resultado muy cansino si se hubiera incluido todo el rato esa forma de hablar, pero en ese caso, hubiera preferido que las criadas hablasen normal, sin cultismos y con un lenguaje más de la calle, pero sin exagerar. También me parece, como les suele suceder a la mayoría de los bestsellers, que le sobra páginas y que tiene mucho trozo de relleno, especialmente en la recta final, donde todo resulta un poco repetitivo. A pesar de ello, como digo, es una novela muy entretenida, con personajes que realmente hacen disfrutar. Y es que a pesar de que Aibeleen es encantadora y la favorita de muchos, y a mí personalmente me ha encantado su relación con la niña que cuida, Mae Mobley (de los mejores momentos del libro), mi favorita es sin duda la descarada Minny, su carácter me ha encantado, a pesar de su situación tanto personal con su marido maltratador como en el trabajo, es un personaje con una gran personalidad y que protagoniza algunos de los momentos más divertidos de la novela junto a otro de los personajes que más me han gustado, la mujer para la que trabaja, Celia, con muy poco cerebro pero con mucho mejor corazón que las mujeres de Jackson que la desprecian por lo hortera que es y por venir de una familia pobre de campo.

Sabréis que se ha estrenado hace poco la película basada en el libro, dirigida por Taylor Tate y protagonizada por Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Viola Davis, Sissy Spacek y Octavia Spencer. La película me ha gustado bastante, más aún si tenemos en cuenta que han ido muy seguidos en el tiempo película y libro, y que normalmente después de leer una novela es muy difícil que nos guste la adaptación. Sin ser exactamente igual que el libro, ya que se hacen algunos cambios que resultan necesarios para el trasvase del papel a la pantalla, la película es bastante fiel al espíritu del libro. Admás, las protagonistas están fantásticas, en especial Bryce Dallas Howard a la que hasta ahora había visto siempre en papeles muy tiernos y que sabe hacerse odiar en esta película. Otra de mis favoritas de nuevo es Minny encarnada por Octavia Spencer que consigue hacer aún mejor el personaje, ya que introduce una gran nota de humor que en la novela no era tan evidente. Así que ya sabéis, si queréis pasar un buen rato y además viajar al EEUU de los 60 y conocer los problemas de segregación racial de primera mano desde los testimonios de sus protagonistas, os recomiendo tanto el libro como la película.

Problemas técnicos y planes

2011-10-29T10:54:00.001+02:00

Estoy escribiendo esta entrada sin tener ni idea de si se publicará bien o no. Como habréis visto, estos días he estado teniendo bastantes problemas con Blogger, el principal, que las entradas no se actualizaban en la lista de blogs del reader ni en vuestros blogs, por lo que la entrada de 'Un rey sin diversión' de Jean Giono se ha quedado un poco en el limbo. Parece que ayer la prueba que hice (que aunque se llama segunda prueba es por lo menos la 1.500) funciona, así que voy a probar a publicar esto a ver qué pasa, y especialmente para explicaros a todos por qué está pasando lo que está pasando. Aún no sé muy bien qué voy a hacer, de hecho, totalmente desesperada, he importado ya mi blog a Wordpress, lo que no sé es si me cambiaré definitivamente, o si seguiré confiando en que Blogger funcione. Os agradecería cualquier comentario o ayuda a este respecto, tanto los que tenéis Wordpress como los que lo habéis probado, y cualquier opinión sobre qué creéis que es mejor, cambiar a Wordpress o quedarme en Blogger.

Sé que puede parecer estúpido (especialmente para la gente de fuera, los que no tienen blog), pero podréis imaginar lo mal que lo he pasado estos días. Llevo desde 2008 con este blog y perderlo... no sé, simplemente no puedo imaginarme ya la vida sin planificar entradas, sin escribirlas y disfrutarlas comentándolas con vosotros, compartiendo en definitiva todo lo que me gusta y me mueve. El blog se ha ido convirtiendo en algo muy importante para mí (mi hijo intelectual, como lo llama mi chico), en especial desde que hace dos años me quedé en paro (aunque es cierto que por suerte me han ido saliendo trabajillos esporádicos que lo han hecho todo un poco más fácil), el blog es lo más cercano que tengo ahora mismo a mi profesión, el periodismo, una profesión a la que amo muchísimo a pesar de todos los disgustos que me ha dado, escribir para mí es como respirar, lo necesito. Tampoco podría vivir sin vosotros, vuestros comentarios, ideas, recomendaciones... muchos os habéis convertido ya en amigos a pesar de que no nos hemos visto nunca en persona, a otros sí que he podido conoceros y disfrutaros en el mundo real, todos me aportáis algo muy valioso y no quiero perder esa pequeña gran familia que se ha formado en internet gracias al blog y a una pasión común: disfrutar de la vida y lo que nos ofrece y compartirlo. Después de esta parrafada (ya veis que estoy un poco sentimental), quería darle mi agradecimiento en especial a La pequeña Meg de Cazando estrellas que en el peor momento de crisis me dio todo su apoyo a pesar de que era jueves noche. ¡Muchísimas gracias! Con tus palabras de verdad que me devolviste un poco la calma.

Dejando ya el tema de Blogger, os comento un poco lo que estoy haciendo estos días. Ahora mismo estoy leyendo Criadas y señoras de Kathryn Stockett que, a pesar de que me está gustando bastante, se me está eternizando, y parte de la culpa de esto la tiene alcorze de El errante (¡muchas gracias!) quien me puso desde su blog los dientes largos con los cómics de The Walking Dead y me dijo dónde podía conseguirlos. Son un vicio total, de los 89 cómics que hay me he leído ya 37. También estamos hablando por ahí de hacer una lectura conjunta Karo de libro_génica, Aramys de Viaje alrededor de una mesa, LaHierbaroja, y Atram14 de Leer sin prisa. Los del reto10x10 estamos pensando también en libro para el siguiente aunque de momento no hay nada decidido. Os muestro también los últimos libros que me han llegado de editoriales, muchas gracias a todas ellas que se portan fenomenal mandándome lo que pido inmediatamente: (Sanshiro de Natsume Soseki -Impedimenta-; Diario secreto 1836-1837 de Alexander Pushkin -Funambulista-; Madre Noche de Rachel Pollack - Ajec-; Las crónicas de la señorita Hempel de Sarah Shun-lien Bynum -Libros del Asteroide-; Entre tonos de gris de Ruta Sepetys -Maeva-; Yo me he llevado tu queso de Deepak Malhotra -Urano-).

En cuanto a música, ¡sí! ya tengo mis entradas para ver a Yes el 4 de noviembre. Además, veremos a Red Hot Chili Peppers el 17 de diciembre y a Arctic Monkeys el 27 de enero. La temporada de exposiciones está mejor que nunca, tenía pensado hablaros esta semana de alguna de ellas pero no ha podido ser, espero que más adelante pueda volver al ritmo habitual de publicación de entradas. Os recomiendo especialmente la de Delacroix en Caixaforum, emocionante, preciosa, magnífica, cualquier calificativo se queda corto, es de las que emocionan hasta las lágrimas, yo voy a volver, una sola visita no es suficiente. Os animo también a que veáis la completísima La caballería roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1017 a 1945 en La Casa Encendida, que cada vez se supera más con sus muestras. Imprescindible. Otra que no podéis perderos es Otras mujeres. Fotógrafas en México 1872-1960 en Casa de América, una visión del México de los siglos XIX y XX a través de la cámara de una cincuentena de mujeres, entre ellas la pintora Frida Kahlo.

Y en cuanto a vida personal, por fin acabamos del todo la mudanza ayer (aunque la nueva casa está hecha un zafarrancho de combate) y devolvimos las llaves al casero. Estoy muy contenta con la nueva casa, es genial no tener a más caseros en el cogote reclamando mil pagos. Y aunque de momento nos quedamos con los muebles que ya estaban en el piso (muy feos pero que han venido genial para instalarnos sin tener que amueblar), con el tiempo, y poco a poco, iremos arreglándola y poniéndola bonita. Los libros, no os preocupéis, aunque amontonados, han llegado todos sanos y salvos (¡16 cajas de libros, madre mía! Y eso que tengo muchos aún en casa de mis padres) y espero que puedan tener en algún momento una bonita estantería para que estén anchos y cómodos. Vamos, que en ese sentido, estoy muy feliz, es una sensación rara pero genial la de vivir en una casa en propiedad.

Henri Cartier-Bresson

Y como veo que me he ido un poco por las ramas, termino ya, espero que paséis un feliz fin de semana o puente. Por mi parte, aprovecharé para sacarle todo el jugo que tiene Madrid y que es por lo que amo tanto a esta ciudad, en especial le tengo echado el ojo a la exposición de la Fundación Canal, Observados, una colección de fotografías, entre las que se encuentran algunos de mis fotógrafos favoritos como Walker Evans o especialmente mi adoradísimo Cartier-Bresson. Espero que todo se solucione en breve y poder contároslo ya sea aquí o en WordPress. Espero que entendáis que estos días esté menos participativa y que no conteste comentarios ni visite vuestros blogs, estoy al cien por cien enfocada en arreglar esto, pero en cuanto se solucione prometo contestaros y visitaros a todos. ¡Gracias por estar siempre ahí!